the-abaddon's blog

Barclay James Harvest

2008-07-23T06:16:00.000-07:00

Bom Dia a todos!

Postagem original aqui.

Como vi que o post do Barclay James Harvest foi pelos ares, eu reupei o que deu e completei com o que eu tinha, ficando a discografia praticamente completa.

Pra não ficar lotando a página aqui, o post foi feito em outro blog.

Espero que visitem e deixem comentários.

http://moonmadness.blog.hr

Abraços!

George Harrison - 1971 - Concert for Bangladesh

2008-07-16T13:00:00.000-07:00

Algumas pessoas me relataram que estão com problemas ao copiar do badongo... quem preferir, pode usar os outros links, que são do RAPIDSHARE.

Show maravilhoso com George Harrison, Bob Dylan, Eric Clapton e outros.

Imperdível.

Tá no formato DVD. Com legendas e extras.

Espero que gostem.

Faixas:

Introduction by George Harrison
Bangla Dhun
Wah-Wah
My Sweet Lord
Awaiting On You All
That's The Way God Planned It
It Don't Come Easy
Beware Of Darkness
Band Introduction
While My Guitar Gently Weeps
Jumpin' Jack Flash
Young Blood
Here Comes The Sun
A Hard Rain's A-Gonna Fall
It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry
Blowin' In The Wind
Just Like A Woman
Something
Bangla Desh

download arquivo com os links BADONGO

download arquivo com os links RAPIDSHARE

senha: lagrimapsicodelica

Visitem meu novo blog http://moonmadness.blog.hr
Discografia do Nektar, A Barca do Sol, Formula Tre, Rush, dentre outros.

Finalmente tá no ar!

2008-07-02T09:27:00.000-07:00

Boa Tarde!

Finalmente coloquei o outro blog pra funcionar.

http://moonmadness.blog.hr

Estou ressuscitando o antigo blog movingwaves e o tarkusblog como foi prometido.

Pra essa semana, três mega-posts de tirar o fôlego.
O primeiro já tá lá... discografia completa do Rush.
O outro post será a discografia do Banco del Mutuo Soccorso (amanhã).
Pra sexta-feira será a discografia do Formula Tre.
É só o começo... vou reupar a discografia do Eloy e do Camel... tomara que lá não venha nada que tire o post do ar.

Não deixem de visitar e me ajudar nessa nova empreitada. Quando passarem por lá, deixem algum comentário.

Meus velhos amigos de guerra estão CONVOCADOS a colaborar.

Grande abraço!

Rush - HiFi Buys Amphitheatre, Atlanta CA, June 13, 2007

2008-06-26T11:31:00.000-07:00

Well... eu achei esse disco na internet.
Não sei quem upou... só sei que é bom pra caramba!

Tão esperando o que pra atracar???

CD 01
01 Intro 2:50
02 Limelight 4:34
03 Digital Man 6:39
04 Entre Nous 5:28
05 Mission 5:48
06 Freewill 5:50
07 The Main Monkey Business 6:22
08 The Larger Bowl 4:50
09 Secret Touch 7:34
10 Circumstances 4:06
11 Between The Wheels 6:03
12 Dreamline 5:39

CD 02
01 Intro 3:41
02 Far Cry 5:23
03 Workin' Them Angels 4:50
04 Armor And Sword 6:37
05 Spindrift 5:42
06 The Way The Wind Blows 6:30
07 Subdivisions 6:04
08 Natural Science 8:18
09 Witch Hunt 4:46
10 Malignant Narcissism 2:23
11 Dr um Solo 7:01

CD 03
01 Hope 2:08
02 Summertime Blues 4:24
03 The Spirit Of Radio 5:10
04 Tom Sawyer 7:46
05 One Little Victory 5:31
06 A Passage to Bangkok 3:49
07 YYZ 5:00
08 Outro 1:09

senha lagrimapsicodelica

Abraço a todos!

The Yardbirds

2008-06-17T06:04:00.000-07:00

Repost...

Uma das bandas mais pesadas e barulhentas de sua época, The Yardbirds criaram a mentalidade de volume e peso que seria explorado no hard rock da segunda metade da década de sessenta, além de serem um dos precursores do rock psicodélico. The Yardbirds, embora tendo um vocalista com uma voz fanhosa e sem muito carisma, tem nos seus guitarristas carisma de sobra. De fato, o tempo faria o nome Yardbirds sinônimo de grandes guitarristas. Infelizmente, a banda é mais lembrado hoje em dia, basicamente por ser aquela que nos ofereceu Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page, três dos guitarristas mais criativos e importantes da segunda geração do rock.

A história desta banda começa em 1963, quando os Rolling Stones se tornam banda residente no Crawdaddy Club, um clube localizado no longínquo subúrbio de Richmond, apresentando-se lá todo domingo. Inadvertidamente, os Stones tornam-se o olho de um furacão, atraindo um grande número de jovens de várias camadas sociais com sua musica. Entre os vários músicos que mais tarde se tornaram conhecidos, estão Paul Samwell-Smith e Jim McCarty, que juntos formam a cozinha (baixo e bateria) do Metropoliton Blues Quartet, um grupo de blues que tocavam em Norbiton. Eram um quarteto acústico que tocava o blues rural de Robert Johnson e afins. Ao ouvirem os Rolling Stones, logo passaram para instrumentos elétricos.

Paul Samwell-Smith sempre que podia chegava cedo aos shows dos Stones e procurava ajudar Bill Wyman a montar e depois desmontar seu equipamento, conseguindo no processo, algumas dicas sobre o instrumento e o feeling certo para o blues. Paul e Jim acabam conhecendo e convidando outro freqüentador assíduo do Crawdaddy para montar uma banda. Ele se chama Keith Relf, que por sua vez, convida seu colega de sala do Art Collage, Chris Dreja para unir-se ao grupo. Com mais a assistência de um jovem e promissor guitarrista de 16 anos chamado Anthony ‘Top’ Topham, formam em junho de 1963, The Yardbirds.

Paralelamente, outra banda de blues tocava no Marquee Club, em Londres. Era Cyril Davies & the All Stars que entre sets, tinha o habito de permitir jam sessions, que tinham em Jimmy Page, um constante participante. Ao assisti-lo tocar neste período, outro aluno de Art College, um jovem guitarrista de uma banda pouco conhecida, chamado The Roosters, se apresenta a Page como sendo Eric Clapton e faz questão de elogiá-lo. "Você soa como Mathew Murphey", então guitarrista do Memphis Slim, um elogio bem aceito. Quando Cyril Davies veio a falecer no inicio de 1964, Page desencantou com o palco e acabou sendo atraído por um convite de Glyn Johns para se tornar um sessionman, um músico de estúdio, trabalhando em discos alheios, acabando por conseguir boa fama nesta profissão.

O repertório inicial dos Yardbirds passou a espelhar o fascínio pelos Rolling Stones, tocando como eles, basicamente músicas de Bo Diddley, Howlin' Wolf e Jimmy Reed. Fazem isto porém, com a distinta preocupação de tocar versões que não pertencem ao repertório dos Stones. Preocupada em tocar estritamente rhythm & blues, a banda consegue cativar fãs e manter uma certa constância de gigs semanais. Com a crescente demanda para o blues na Inglaterra e consequentemente o aumento de shows que os Yardbirds passam a ter, em outubro de 1963, Top Topham, ainda um garoto, é obrigado pelo pai a deixar a banda para dar mais atenção aos estudos. Os demais membros, todos já com vinte anos, não quiseram influenciar o rapaz e respeitaram sua decisão.

Keith conhecia Eric Clapton do Art College, que a esta altura já havia sido expulso da faculdade por aparecer embriagado à aula. Sua banda, The Roosters, havia acabado, e Clapton foi então parar em setembro junto ao Casey Jones & the Engineers, amargando sua decisão e largando a banda depois de sete gigs. O momento não poderia ser mais propício para Keith convida-lo a entrar.

Pouco depois, The Yardbirds é convidado pelo dono do Crawdaddy, Giorgio Gomelsky, a substituir os Rolling Stones, uma vez que eles estavam agora, deixando de tocar nos clubes menores. Embora ainda puristas e sem estarem totalmente maduros, a banda assume o publico do Crawdaddy, órfão dos Stones e, aos poucos, os transformam em seu público também. Gomelsky, perdendo a oportunidade de empresariar os Rolling Stones, agarra a chance com os Yardbirds. É Gomelsky quem cria o apelido Slowhand para Eric Clapton, como também é ele que cria o famoso slogan da banda, "The five live Yardbirds" utilizado em suas apresentações.

Quando Sonny Boy Williamson (2) voltou a tocar em Londres pela ultima vez, Gomelsky consegue encaixar os Yardbirds como sua banda em alguns eventos. Williamson, que na década de trinta havia tocado com Robert Johnson, Howlin’ Wolf e Robert Jr. Lockwood, faz esses brancos ingleses sofrerem. Ele ensaia com a banda de uma maneira e propositadamente modifica os arranjos durante a apresentação. Embora a atitude de Williamson pudesse ser interpretado como a de quem está de má vontade com seus músicos, não havia como negar que o homem representa o blues em sua maior autenticidade. A experiência do encontro com o autêntico blues negro de Sonny Boy Williamson, que teve sua apresentação realizado no dia 8 de dezembro de 1963 gravada, foi um aprendizado extremamente benéfico para todos e, embora saindo chamuscados, amadurecem como banda.

A experiência leva Gomelsky a procurar um estúdio e um patrocinador para bancar a gravação da banda. Então, ainda em dezembro, os Yardbirds, patrocinados por Horst Lippmann, entram no RG Jones Studio em Surray para gravar pela primeira vez. Gomelsky atuando como produtor e ajudando no backing vocal, vai aprendendo enquanto faz. Gravam "Boom, Boom" de John Lee Hooker. Keith Relf depois é levado a compor "Happy In Your Hips" especialmente para que Lippmann possa ganhar algum dinheiro como o editor da canção. A banda grava tudo praticamente em um take, permitindo com a sobra de tempo que gravem mais uma, "Talkin’ ‘Bout You" de Chuck Berry. Satisfeitos com a sessão, Gomelsky passa a visitar as gravadoras com a fita. Decca Records demonstra interesse e a banda é convidado a fazer outra gravação que serviria como teste, para que seu representante Mike Vernon, possa levar para seus superiores e tentar um contrato. Essa sessão é realizado também em dezembro, antes do ano acabar, onde gravam "Baby, What’s Wrong?".

Não havendo ainda um conjunto de composições próprias e com um número ainda limitado de músicas no repertório, coube a Paul a idéia de aumentar o tamanho das canções com uma improvisação no miolo do tema. O conceito desta improvisação não seria da forma jazzista, onde cada músico vai tocando atrás de um solista, mas que a banda toda junta começa a criar um crescendo que quando em ápice, explode de volta para o refrão final. O estilo ou conceito foi batizado também por ele de "rave-up".

Rapidamente the Yardbirds se tornam falados no circuito de R&B, ganhando a fama de serem eletrizantes, graças aos seus rave-up's, forma diferente com que eles apresentam seu blues, bem mais pesado e selvagem. A popularidade da banda deslanchou a partir daí. É por volta desta época que surgem pichados em uma parede de Londres os dizeres "Eric Clapton is God", muito comentado então e sendo um incidente até hoje lembrado. Logo, em janeiro, com a evolução da carreira dos Stones, que passam a tocar agora somente em teatros, deixando a inviabilidade dos clubes para trás, é a vez dos Yardbirds de novamente os substituírem, desta vez no Marquee Club onde estreiam no dia 23.

Embora os esforços de Mike Vernon de convencer a Decca a assinar com os Yardbirds, é a EMI que em fevereiro, os contrata e os coloca como membros do seu outro selo, a Columbia Records. No ultimo dia do mês de fevereiro, voltam a tocar com Sonny Boy Williamson, pela ultima vez. A ocasião é o Primeiro Rhythm & Blues Festival, realizado em Birmingham. Também participando do festival estão bandas como Long John Baldry & the Hoochie Coochie Men (que também passa a ser empresariado por Gomelsky), the Spencer Davis Group e Rod Stewart & the Road Runners. O evento rende um disco, Sonny Boy Williamson & the Yardbirds, totalmente ao vivo, que só chegaria às lojas anos depois.

A banda ainda viria a lançar dois compactos, gravados em estúdio antes de trabalharem no seu primeiro album. O primeiro compacto, tinha em "A Certain Girl", o status de lado A até gravarem em inacreditáveis três minutos uma fantástica versão de "I Wish You Would". A canção é até hoje, um dos melhores e mais pesados registros da banda. Depois gravariam "Good Morning Little Schoolgirl," clássico de Sonny Boy Williamson (1). Mas para o album, Gomelsky está certo de que a melhor maneira de captar o clima de frenesi que a música da banda evoca seria gravá-los em seu habitat natural, o Marquee Club. Portanto, é ao vivo, que Gomelsky grava o album que seria chamado, "Five Live Yardbirds". Entre a firmeza da bateria de McCarty, a grave e forte presença do baixo de Smith, e as presenças marcantes das guitarras de Clapton e Dreja, como também da gaita de Relf, este disco é um clássico e primeiro registro de uma banda tocando o blues com tamanha intensidade, volume e peso. Apesar de o disco oferecer dados dando a data do evento como sendo no dia 10 de março, na realidade, ocorreu no dia 20 de março, uma sexta-feira.

O ano de 1964 não poderia ser melhor para a banda. Excursionam Inglaterra com os Stones e depois Escandinávia e outras partes da Europa, além de fazerem aparições em diversos programas de televisão de cada cidade grande em que passam. O esforço é tanto que Keith Relf, que desde a infância sofre de pneumonia, teve que faltar algumas datas de shows marcados. Na primeira vez que surgiu este problema, ele foi substituído por ninguém menos que Brian Jones, que basicamente tocou gaita para a banda. Em outras ocasiões, o próprio Mike Vernon da Decca Records, que se tornara um bom amigo do grupo, substituiu o cantor. Mas em agosto, Relf teve um problema sério no pulmão, cuja extensão foi mantido em segredo até pelos demais membros da banda. Hospitalizado, com os pulmões enfraquecidos, correu perigo de vida. Porém, após um mês de repouso, estava recuperado, voltando no dia 21 de setembro para continuar a excursão da banda, que acompanhava os Kinks. Neste meio tempo, a banda tinha nos vocais Mick O’Neill dos Authentics. O resto do ano correu relativamente bem, incluindo uma apresentação memorável no Richmond Jazz & Blues Festival.

Mas é no inicio de 1965 que a banda tem a primeiro grande crise, coisa que não será incomum na sua história. O empresário Giorgio Gomelsky, visando colocar uma canção da banda nas paradas de sucesso, passa a ditar material comercialmente viável, para eles gravarem. O primeiro exemplo desta influência é a canção "For Your Love" lançado em Março de 1965. Eric Clapton, purista e temperamental em relação a sua musica, achou ultrajante a guinada comercial proposta e aceita pelos demais. Ele então assume suas convicções e deixa a banda.

O tino comercial de Gomelsky estava certo. "For Your Love", mesmo só com Chris Dreja no violão, e mais a participação especial do jovem Brian Auger, tocando um cravo, chega a No.2 no Reino Unido e consegue entrar nas paradas americanas, um grande feito. Mas o preço foi a perda de seu guitarrista carismático. Gomelsky apazigua os ânimos prometendo trazer o guitarrista Jimmy Page, nome extremamente conhecido entre os estúdios profissionais ingleses e de fama muito mais comprovada do que a do então jovem Eric Clapton. Page porém recusa o serviço, por duas razões. Primeiro, ele andava com a saúde instável, uma das razões por escolher a profissão de músico de estúdio, ofício que não precisa lidar com viagens. Estava com uma cota boa de trabalho e com mais dinheiro no bolso, do que muito pop star. Page não tinha necessidade ou desejo de mudar de vida. O segundo motivo é que ele tem Clapton como um amigo e não deseja tomar o seu lugar. Com a insistência de Gomelsky, Page fala de seu amigo e vizinho Jeff Beck, um nome totalmente desconhecido.

Jeff Beck que chegou a tocar esporadicamente com Long John Baldry & the Hoochie Coochie Men em final de 1963, a esta altura estava tocando com sua banda The Trident, por quase um ano. Depois de um certo gig, Gomelsky, um homem muito grande, passa o braço pelo pescoço e ombro, quase dando uma gravata no magricelo Beck e já começa falando, "E se eu te dissesse que eu te colocaria na melhor banda do momento, tendo um contrato com uma gravadora, deixando você como guitarrista principal e com toda a liberdade de criar?" Os olhos do jovem brilharam com a proposta, mesmo que em momento algum, Giorgio tenha falado o nome Yardbirds. Como Jeff Beck mesmo diria em retrospecto: "Quem não iria querer tocar com os Yardbirds?"

Gomelsky bancou um banho de loja para Beck, além de um corte de cabelo, e até cordas novas pra sua guitarra velha e surrada. Mas Beck retribuiu em dobro. Inicialmente preocupado em tocar o material como Clapton, com intuito de agradar os fãs, aos poucos Jeff Beck começou a ajudar a banda a expandir seus horizontes, indo em direções impensáveis se tivessem ficado com Eric Clapton. Utilizando um pedal, especialmente desenvolvido e presenteado pelo seu amigo Jimmy Page, Jeff Beck distorce a guitarra e utiliza feedback, até estourar o seu amplificador. Toca pulando, toca com a guitarra nas costas e cria efeitos novos, que passam a ser chamados de psicodélicos. Logo serão imitados por quase todos as outras bandas.

Paul, Keith e aos poucos Jim, agora passam a compor seu próprio material com maior regularidade, e se por um momento, com a saída de Clapton, a direção da banda parecia ir para o pop chiclete, as composições novas, somadas às idéias ricas de Jeff Beck, Chris Dreja e Jim McCarty para o som geral, levam a banda a ser uma das precursoras do psicodelismo. A banda lança uma serie de compactos e passa a habitar com relativa constância as paradas de Top 20. O segundo album, "Having A Rave Up With The Yardbirds", é uma aglomeração de compactos, juntando as fases de Jeff Beck com as com Eric Clapton. Entre os destaques estão, canções como "Heart Full of Soul", "Still I’m Sad" e "The Train Kept A’ Rollin’".

É em 1965 que os Yardbirds passam a viajar freqüentemente para os Estados Unidos em excursões cansativas. Porém, às vésperas da primeira ida da banda para a America, Beck passa na casa de Jimmy Page e presenteia-lhe com uma rara Telecaster 1958, uma forma de agradecer o favor do amigo em tê-lo indicado. Nos Estados Unidos, The Yardbirds com Jeff Beck deixa o publico atônito com o volume, peso e zoeira dos seus rave-up’s. Em Memphis, Gomelsky consegue marcar hora no Sun Studio e convence Sam Phillips a pessoalmente assistir à sessão. Gravam "The Train Kept A’ Rollin’". Keith, já bêbado, precisou refazer seus vocais outro dia. Em Chicago, visitam o Chess Studios e gravam "Shapes of Things" e uma versão de estúdio de "I’m A Man", agora com Beck na guitarra.

A banda excursiona seguidamente por toda Europa e duas vezes pelos Estados Unidos, deixando os nervos de Jeff Beck em estado de caos, estressado por tantas viagens. Os rave-up's continuam, mas basta Jeff Beck não gostar do amp da casa, que o mal humor leva o espetáculo aos raios do absurdo. Beck passou a ser conhecido por chutar amplificadores durante o espetáculo. Certa vez, possivelmente em Novo Mexico - EUA, ele teria jogado um amp ruim, pela janela de uma casa noturna, durante um show. Temperamental, Beck tocaria bem um dia e mal nos próximos três. Reclama de seguidas dores de cabeça e falta shows para poder namorar. O ambiente entre os membros está cada vez mais pesado e estafante.

Gomelsky então pula fora e vende seu contrato para Simon Napier, que se torna o segundo empresário da banda. Napier ganha o grupo na conversa, falando sobre adiantamento sob direitos autorais da gravadora, coisa que nunca passou pela cabeça dos músicos. Já entrando no ano de 1966, Jeff Beck passa a ocasionalmente convidar Jimmy Page a se juntar à banda, para que os dois ex- vizinhos, possam tocar juntos novamente. Paul Samuel-Smith, também estafado, já está tomando conta dos arranjos e produção da banda, produzindo o proximo compacto "Over Under Sideways Down."

Jimmy Page declina seguidamente os convites de Beck, mas o ano de 1966 prova ser relativamente estafante também para ele. No íntimo, está cansado do trabalho de estúdio, tocando cada vez mais para artistas de qualidade duvidosa, mesmo que seja por um bom dinheiro. Aos poucos a idéia de participar de uma banda começa a amadurecer em sua cabeça. Então Page acaba aceitando um convite do Beck para assistir os Yardbirds no final de maio. Tocando para uma festa de gala de universitários, dividem o show com os Hollies, cada banda tendo que tocar três sets. No primeiro, a recepção do público estava bastante fria. Nos bastidores depois, Keith Relf passa a beber irresponsavelmente, enquanto brinca com Allan Clarke de judô, quebrando algumas bandejas, passando depois para pedaços de madeira. Em dado momento, com um golpe mal dado, Relf acaba quebrando dois dedos, o que o leva ele a beber ainda mais para anestesiar a dor. Durante o segundo set da banda, Keith Relf está totalmente trôpego, e evidentemente canta muito mal, sendo ostensivamente vaiado e por isso, se achando no direito de ocasionalmente mandar todo mundo pra aquele lugar. Para completar o vexame, Relf acaba tropeçando e caindo de costas sobre a bateria, desmaiado no meio do set. Saiu carregado enquanto Jimmy Page está na plateia às gargalhadas, assistindo o que ele considera um exemplo fantástico da vida em uma banda tocando ao vivo. No estúdio, não há lugar para imprevistos e surpresas desta natureza. Quando a banda volta para o palco pela terceiro vez, faz um set instrumental.

Totalmente enojado com a atitude displicente de Relf e já cansado dos aprontes de Beck, Paul Samuel-Smith avisa que não tocará mais com o grupo e convida Dreja e McCarty a saírem com ele. Os dois preferem continuar com o grupo. Smith seguiria trabalhando como produtor dos Yardbirds e, aos poucos, como empresário de alguns artistas, tendo administrado por um curto período, a carreira de Cat Stevens.

Beck ficou bastante sem graça ao ver Page assistindo todo o desenrolar da noite, logo quando ele veio para conferir a viabilidade de entrar na banda. Mas para a sua surpresa, Jimmy de muito bom humor, logo se oferece para assumir o baixo enquanto não arrumam outro baixista. A nova formação dos Yardbirds estreou ao vivo no Marquee Club em junho de 1966. Simon Napier ao saber da entrada do Jimmy Page na banda, chamou todos de loucos. Encostou Jeff Beck no canto para explicar que ele Beck, era o estrela da banda e convidar um músico tarimbado como Jimmy Page era uma loucura. Mas Page, ganhou todos na simpatia e a banda votou a favor de mantê-lo.

Embora Jimmy Page já tenha tirado férias na California em 1965, é como baixista dos Yardbirds que, pela primeira vez, ele chega ao país para dar um espetáculo. Sua estréia no Whiskey A-Go-Go de Los Angles foi marcado por sua ânsia de tocar. O som da banda, mesmo sem premeditar, instintivamente ficara ainda mais pesado, como também mais alto. Quando a banda chega em San Francisco, Jeff Beck com dor de garganta, novamente se recusa a tocar. Temperamental e vaidoso, essas crises de Beck vêm se tornando cansativos e estressantes para toda a banda. Concordou-se então que Chris Dreja e Jimi Page trocariam de instrumentos. Quando o publico viu Jimmy Page na guitarra e os Yardbirds sem Jeff Beck, as vaias e o mau humor geral se instalaram. Não obstante, bastou Page começar a tocar pra calar a boca de todos. Ou melhor, deixá-los de boca aberta, pois além de manter os estilos de Clapton e Beck nas canções marcados por esses artistas, Jimmy mostrou que ele tinha seu estilo próprio também. Para isso pegou um arco de violoncelo e usou na guitarra, conseguindo efeitos em um espetáculo nunca vistos antes na América, embora o truque já fora feito primeiramente na Inglaterra por Eddie Phillips, guitarrista dos Creations. Ao final do show, a banda tinha a certeza de que, caso Beck continuasse a ter seus "de repentes", o show agora estaria assegurado com Jimmy Page.

O restante da excursão é material lendário. Com a dupla de guitarristas Jeff Beck e Jimmy Page, com Chris Dreja agora fixo no baixo, a América assistiu história. Nunca se ouvira nada tão alto ou pesado antes. Se Page elevou o volume geral da banda estando no baixo, quando passou a tocar sua Telecaster '58 vermelha, a banda aumentou os decibéis ainda mais. Jim McCarty mal conseguia ouvir sua bateria e Keith Relf passava sufoco, com uma guerra inglória para tentar se ouvir também. Mas era o peso, alem da técnica, que destacava os Yardbirds de todas as outras bandas existentes.

De volta à Inglaterra, excursionam novamente abrindo os shows dos Rolling Stones. Foi difícil para os Stones manter seu status de atracão principal, com a diferença de volume, quase três vezes mais alto, e musicalidade entre as duas bandas. Nunca foi a intenção dos Rolling Stones de apresentar um show de exímia técnica na guitarra. Sua musica reflete rhythm & blues e rock & roll em sua expressão mais plena. Embora os Yardbirds começaram pelo mesmo enfoque, evoluiriam para esse massa sonora que a imprensa passava a comparar ao volume de uma Terceira Guerra Mundial.

Os amigos Page e Beck, quando em Londres, passavam o tempo ensaiando só os dois, para que os solos tivessem um efeito de estéreo ao vivo. Nesta época, Napier conseguiu atrelar os Yardbirds a um filme do diretor Antonioni, que veio a se chamar "Blow-Up". Antonioni queria fazer um filme sobre a "Swingin' London" e teria uma cena acontecendo em um clube que, em sua inspiração inicial, teria a banda The Who, com Pete Townshend destruindo sua guitarra. Sem conseguir entrar em um acordo com aquela banda, Napier aproveitou a oportunidade e colocou os Yardbirds, com Jeff Beck para a cena. Beck evidentemente recusou-se a destruir a sua guitarra e lhe foram entregues diversas guitarras de mentira, para ele praticar e depois fazer a cena. A canção escolhida, "Train Kept A- Rollin’" teve problemas em relação aos direitos autorais e não pôde ser incluída no filme. Então uma versão com nova letra foi rapidamente escrita por Keith Relf, nascendo assim a canção "Stroll On".

Em estúdio, a intenção de se ouvir duas guitarras em estéreo feito pela dupla de guitarristas é percebida na canção "Stroll On" e "Happenings Ten Years Ago". É importante destacar o fato que, em toda a carreira dos Yardbirds, nunca houve uma produção maior para suas gravações. Em geral, o que você escuta nos discos é o trabalho da banda tocando ao vivo no estúdio, salvo os vocais. Overdubs geralmente incluíam apenas a gaita ou detalhes, como palmas. Segundo Keith Relf, muitas vezes ele estava escrevendo uma letra na cabine de voz, aguardando a vez, enquanto a banda estava gravando a base. O processo geralmente incluía uma ou duas passagens da musica para se acertar equalização dos volumes e uma ou duas passagens já gravando valendo. Depois, passavam para gravar a voz, gaita, etc, em seguida mixando tudo. Até o final do ano, seria lançado o album Yarbirds, também conhecido como Roger The Engineer, título do desenho da capa. É o primeiro e único album da banda a não amontoar compactos de fases diferentes. O album apresenta a banda tomando riscos musicais ímpares, tendo a canção "Shapes of Things" como ápice de suas contribuições psicodélicas. Apresenta também uma maior participação de Jim McCarty e Chris Dreja nas composições novas da banda. Ainda seria gravada a canção "Psycho Daises", contendo a dupla de guitarristas Beck e Page como atração, mas este só seria lançado em compacto no final do ano, Jeff Beck já estando fora da banda.

The Yardbirds, já em outubro, voltam a excursionar América, tomando parte na "Caravana de Estrelas" de Dick Clark, em seu show ambulante. Por cinco semanas dentro de um ônibus, todos da troupe, que incluía grupos pop como Gary Lewis, Sam the Sham & the Pharaohs, e Brian Hyland, estarão viajando de costa a costa dos Estados Unidos de ônibus. As condições, dado o histórico do seu guitarrista temperamental, era um convite ao desastre. Fazendo dois shows por noite, após três dias viajando em um ônibus, Jeff Beck enlouqueceu. No meio do show ele derrubou uma pilha de amplificadores, destruiu sua guitarra e abandonou o palco. Sem esperar ninguém, ele deixou o local, pegou um avião para Los Angeles e esperou o resto da banda lá, o ponto final da excursão. Page assumiu a posição de guitarrista líder e quando chegaram finalmente em Los Angeles, apesar de Beck os receber cheio de mazelas e pedindo mil desculpas, ele foi dispensado. Ninguém da banda queria mais saber dele ou ter que lidar com seus descontroles emocionais em viagem.

Assim acabou a formação mágica e histórica. Em cerca de 18 meses em que Jeff Beck esteve com os Yardbirds, ele levou o grupo a explorar outros terrenos musicais, e no caminho mudou o conceito de guitarra mais do que qualquer outro guitarrista na década, excluindo Jimi Hendrix.

Enquanto isso, na Inglaterra, Simon Napier-Bell vende seu contrato com os Yardbirds para a dupla Mickie Most e seu sócio Peter Grant. Uma das razões possivelmente fosse a de estar cansado de ter que lidar com Jimmy Page, que como veterano de estúdio, vivia questionando os pagamentos feitos ao grupo e seus reais valores. Quando a banda chega da excursão, os novos donos de seus contratos descobrem sobre o descontentamento da banda em relação a Beck. Mickie Most então se mostrou mais interessado em trabalhar com Jeff Beck e deixou os Yardbirds na mão de Peter Grant, trabalhando com eles apenas como produtor de seus discos.

Mickie Most era nesta época um dos maiores e mais bem sucedidos produtores da Inglaterra. Mas o tipo de material que ele está acostumado a trabalhar é composto de canções pop de até três minutos, como atesta os seus maiores sucessos da época, Herman’s Hermits, Lulu e Donovan. Infelizmente as próximas gravações da banda refletem bastante esta mudança de mentalidade. Apesar de seus shows ao vivo serem comparados à "Terceira Guerra Mundial", o que é lançado é material típico de radio AM. Gravações como "Little Games", "Haha Says The Clown" e "Ten Little Indians" não são das mais felizes, e adicionam tensão nos já desgastados nervos da banda. Mesmo porque são canções compostas por desconhecidos e que sequer têm a participação da banda nas gravações. Apenas de Jimmy Page e uma equipe de músicos de estúdio, com a qual Mickie Most está acostumado a trabalhar. O mais constante entre estes sendo John Paul Jones, baixista e arranjador predileto de Most.

Esses trabalhos, bem aquém do potencial da banda, deterioram o bom nome dos Yardbirds, embora Chris Dreja, Jim McCarty e Keith Relf, os mais antigos, já nem se importam mais. Estão tão desmotivados com o material oferecido e o tratamento da gerência sobre a banda, que se satisfazem em ficar fumando maconha e tomando ácido, ignorando o futuro. Mickie Most promove compactos caprichados para consumo juvenil e não tem maior interesse em relação a LP's. Quando a banda exige gravar, Most permitia um take apenas e não deixa o grupo ouvir o resultado. O mal estar permanece e todos, principalmente Jimmy Page, se irritam com esta mentalidade antiquada de se trabalhar. Estava obvio para Page e Dreja que a música, como também o gosto musical do público já mudara. Já aparecem na cena roqueira, bandas como Cream, Traffic, Vanilla Fudge, Free e The Jimi Hendrix Experience, para elevarem o volume e as concepções para patamares incríveis. Jim Marshall, com a ajuda do The Who está desenvolvendo os amplificadores Marshall para logo poderem oferecer volumes impensáveis, retendo ainda qualidade sonora, sem rachar os alto falantes. O tempo não poderia ser melhor para os Yardbirds voltarem a atacar em grande estilo. Mas o grupo parecia desmotivado, perdido e cansado, como também, mal administrado.

Enquanto o desdém corrói os Yardbirds, Jeff Beck estava sendo bem assessorado por Mickie Most, que montou uma banda ao redor de seu talento. Em um ano ele estaria excursionando em um passo menos frenético com o seu recém criado Jeff Beck Group. Peter Grant, por sua vez, acaba optando por comprar de Most sua parte do contrato dos Yardbirds. Depois os leva novamente para a estrada, desta vez o grupo indo tocar em Singapura e Austrália. Diferente da maioria dos empresários, Grant acompanhava a banda nas viagens, protegendo seus interesses, e esse companheirismo aproximou muito as relações com a banda, principalmente com Jimmy. De fato, esta excursão é a primeira que a banda percebe como lucrativa. Depois, Page não volta pra Inglaterra, preferindo ir para a Índia, passando alguns dias ouvindo músicos intinerantes tocar pelas ruas. Já vestidos em roupas psicodélicos como todos os membros de sua geração, Relf e McCarty estão cansados da banda e passam a ter um crescente interesse em folk inglês. Mas Grant os deixam sempre ocupados, excursionando novamente Escandinávia, depois Japão e por último, França. Enquanto os demais estão tomando ácido diariamente, Page aceita o papel de representante do grupo para entrevistas, divulgando a banda e as propostas musicais.

Os Yardbirds voltam a gravar algumas coisas juntos durante 1967, as últimas coisas lançadas pela banda. Entre estas estão canções como "Glimpses" que oferece Jimmy Page tocando a guitarra com o arco, registrado em disco pela primeira vez. "White Summer" com fortes influencias de folk tradicional inglês, coisa que será mais explorado nas futuras bandas de Page, Relf e McCarty, e "Think About Me" primeira composição de Jimmy Page para o grupo, que inclui um solo de guitarra que seria reaproveitado em "Dazed And Confused" saindo em disco somente com o Led Zeppelin. O produto desta fase sai em 1968, apenas no mercado americano, com o nome de "Little Games".

Novamente é válido salientar a importância da presencia de Peter Grant, junto à banda durante as excursões e como essa presença se traduz em dinheiro para a banda. Grant, que continuou a trabalhar com Jimmy Page no Led Zeppelin; pode ser visto no filme "The Song Remains The Same" (Rock É Rock Mesmo) em dado momento, esculachando algum funcionário do Madison Square Garden, por deixar um ambulante vender posters não autorizados do Led Zeppelin, pelos corredores do estabelecimento. Grant acusa o responsável de permitir o ponto de venda ilícito em troca de um percentual. A cena ilustra bem seu poder de intimidação e como ele o usa, neste lado do seu trabalho. Com os Yardbirds, existe pelo menos uma história similar, porém em situação bem mais hostil. Em Warwick, Rhode Island, o menor estado dos Estados Unidos, os Yardbirds iriam tocar em algum parque de diversão no verão. À caminho, o ônibus foi obrigado a parar e dois promotores italianos entraram mostrando suas armas e avisando que todo mundo iria morrer. A idéia possivelmente era intimidar os músicos assim eles acabariam obrigados a trabalharem por bem menos do que previamente concordado. Grant levantou e encarou os dois, empurrando-os com seu corpo enorme pra trás, gritando "Vocês vão fazer o que? Vocês vão fazer o que?". Grant empurra a dupla de gangsters para fora do ônibus, ambos espantados e perplexos com o gigante intimidador.

É nesta excursão americana, precisamente em Nova York, que a banda vai ao Café A-Go-Go para assistir Janis Ian mas acabam impressionados com o trio folk que abre a noite. O trio era composto por Jake Holmes e mais dois amigos. Uma música em particular marcou a noite, com um baixo hipnotizante que chama a atenção de toda a banda. A canção se chamava "Dazed And Confused" e todos concordaram que ela serviria bem como material dos Yardbirds. Jim McCarty comprou o disco de Holmes e passaram a estudar a canção. Keith Relf reescreveu outra letra e Page reaproveitou uma idéia no solo utilizado anteriormente em "Think About Me". Chamando a canção de "I'm Confused", ela teve sua estreia quando a banda tocou no Madison Square Garden em dezembro de 1967.

Voltam à Inglaterra para o Natal e Ano Novo mas antes de janeiro terminar estão de volta aos Estados Unidos para o que acabou sendo a última excursão da banda. Terminando em Nova York, já em Abril, gravaram o último show, porém o equipamento foi microfonado amadoristicamente e o resultado auditivo foi catastrófico. Este material seria lançado em 1971 como Live Yardbirds Featuring Jimmy Page, mas em função do horrível trabalho feito na gravação, acoplando palmas falsas e equalizações equivocadas, a banda processou a gravadora e conseguiram tirá-lo do mercado. Material favorito entre pirateiros, o disco conseguiu finalmente uma versão decente após o surgimento de gravação digital. O CD hoje disponível no mercado é uma edição e remixagem da fita original somados a uma cópia pirata feito por alguém que estava presente na plateia naquela noite. Com uma qualidade auditiva de "baixa fidelidade", o disco é um registro histórico interessante onde podemos perceber pelo repertório, que inclui material antigo, recente e novo, a metamorfose em que a banda se encontra.

Antes de voltarem à Inglaterra, gravam no estúdio da Columbia Records uma seqüência de composições pensando em um futuro álbum. Este ultimo álbum acaba nunca acontecendo, mas entre o material que fora gravado nesta sessão consta as canções "Spanish Blood", "Avron Knows", "Knowing That I'm Losing You", "Taking A Hold On Me", além de duas versões alternativas para os já lançados "White Summer" e "Tinker Tailor". Também havia uma canção que reapareceria na década de setenta no material de Led Zeppelin, com o nome de "Tangerine".

De volta à Inglaterra, Relf e McCarty estão prontos para entregar a toalha. Estão cansados de estarem tocando praticamente as mesmas musicas desde 1963 e ambos estão apreciando mais o som de bandas que trabalham com o folk, mormente o Fairport Convention. Após uma apresentação no Luton Technical Collage, os dois informam Grant que não desejam continuar com o grupo, assim terminando melancolicamente em julho de 1968, a trajetória de uma das melhores bandas ao vivo da primeira metade da década de sessenta. Peter Grant informa Jimmy Page da posição tomada pelo seu baterista e vocalista. Com shows marcados para o outono na Escandinávia, e mais opções para show na Austrália e Japão, Grant e Page concordam que o melhor seria continuar com os Yardbirds, procurando novos membros. Mas quando Dreja resolve também deixar o grupo para se dedicar a fotografia, os Yardbirds passam a se apresentar como The New Yardbirds, com três novos membros e abandonando todo o repertório associado ao antigo Yardbirds. Pouco depois, mudariam de nome para Led Zeppelin, mas essa já é outra historia.

Precisaria as excelentes carreiras de Jimmy Page no Led Zeppelin e Jeff Beck com seu Jeff Beck Group na década de setenta, para levar jovens a pesquisar seus trabalhos anteriores e redescobrirem os Yardbirds. Descobrir também que a carreira do Eric Clapton não começa com Cream ou The Bluesbreakers. Mas se a banda foi tão importante assim, porque foram tão pouco vangloriados em sua época?

Grande parte da culpa está na incapacidade da banda de compor canções para o ouvinte de rádio. Apesar do sucesso de "For Your Love", em cinco anos de banda, apenas nos 18 meses com Jeff Beck foi que the Yardbirds teve uma maior quantidade de músicas entre o Top 20. Outra contribuição negativa reside na falta de percepção da banda e de seus produtores para a mudança do mercado que passava a dar cada vez mais importância a álbuns com uma identidade própria, e não apenas a união de alguns compactos mais canções com intuito de apenas preencher o espaço restante do vinil. Outro mal que assolou constantemente a banda foi má gerenciamento por parte dos empresários. Apesar da banda ao vivo não ter igual, dificilmente foram atrações principais em festivais e grandes concertos. Por conseguinte, o status da banda era extremamente inferior ao de bandas que foram relativamente influenciados por eles, como Cream e Vanilla Fudge entre outros.

The Yardbirds voltaria a surgir as vésperas do novo milênio. Mas para entender melhor como e porque, vale a pena seguir as carreiras de alguns de seus dissidentes.

Assumindo de vez o descontentamento com suas carreiras no Yardbirds, Jim McCarty e Keith Relf inicialmente começaram um projeto que se chamou Together. Mas o projeto sofreria uma metamorfose transformando-se em 1969 na banda Renaissance. Na formação, além dos dois ex- Yardbirds, está Annie Haslem e a irmã de Keith, Jane Relf nos vocais; Loui Cenammo no baixo, John Tout nos teclados e Michael Dunbar na guitarra. Inicialmente influenciados pela música de bandas como The Fairport Convention, lançam dois discos de folk-rock progressivo, ambos produzidos por Paul Samuel-Smith, com um elenco variado de músicos extras. O segundo álbum, lançado em 1971, já está inclinando para a direção na qual a banda ganharia maior fama. Antes porém, discussões internas acabam por afugentar dois dos três membros iniciais. Jim McCarty deixaria finalmente o Renaissance em 1973, depois do disco "Ashes Are Burning", a banda ficando agora sob o comando da Annie Haslem.

McCarty volta a trabalhar com os irmãos Relf montando em 1976, Illussion, banda que segue a linha inicial de Renaissance. Antes de iniciarem o que seria o segundo disco do grupo, Keith Relf toma um choque de sua guitarra, morrendo eletrocutado no porão de sua casa, onde ficava seu estúdio. Ele foi encontrado pelo seu filho na manha seguinte, ainda com headfones. O disco que seguiu, "Out of The Mist", é gravado em tom de requiem para o cantor e contou com a participação de Paul Samuel-Smith não só na produção, como também nos vocais.

Illussion não durou muito depois disto e McCarty reapareceria em 1983 ao lado de Chris Dreja e Paul Samuel-Smith, mais John Fiddler nos vocais, formando the Box of Frogs, banda que tinha a intenção de apenas marcar a inauguração do novo Marquee Club, que acaba de ser reaberto. O que começou inicialmente como apenas uma apresentação acaba se transformando em uma banda que lança dois discos muito bem aceitos pela critica especializada. O disco de estréia, lançado em 1984, oferece uma formação eclética com guitarristas convidados Jeff Beck e Rory Gallagher e tecladista Max Middleton entre outros. O disco seguinte, saindo em 1986, tem novamente outra série de convidados como Jimmy Page, Steve Hackett, Ian Dury, Graham Gouldman, Graham Parker, John Knightsbridge, além de Rory Gallagher e Max Middleton, entre outros. Pouco depois, Paul Samuel-Smith deixa o grupo, mas o Box of Frogs acaba viabilizando a possibilidade do ressurgimento dos Yardbirds na década de noventa.

Mas antes, em 1988, McCarty volta a fazer música com seus ex-companheiros de Renaissance e Illussion, Loui Cenammo e Jane Relf. Investem em um som mais para new-age, tendência musical da época. Participando de uma feira Yardbirds, Jim encontra Top Topham, primeiro guitarrista dos Yardbirds, que não vê a mais de vinte anos. Este encontro muda a orientação musical de McCarty novamente para o blues, montando assim The Jim McCarty Band. Além de Jim McCarty na bateria e Top Topham na guitarra, a formação da banda inclui um jovem fã dos Yardbirds chamado John Idan na outra guitarra e Loui Cenammo no baixo. O repertório passou a naturalmente incluir material dos Yardbirds. Com algumas metamorfoses e tentativas falidas de gravar o combo, Topham e Cenammo desentendem-se e os dois deixam o grupo. Músicos são substituídos como também o nome do conjunto, passando a se chamar The Jim McCarty Group para depois ganhar o pomposo nome de The British Invasion All Stars. Esta ultima formação, é de longe a mais interessante, pois já inclui os esforços somados de Eddie Phillips ex-Creations, Ray Phillips do Nashville Teens, mais Keith Grant e Don Craine do Downtown Sect. Gravam o disco "Regression", tocando números fortes como "Train Kept A Rollin'", "House of the Rising Sun", "My Generation", "Honky Tonk Woman" e "Around and Around".

No ano seguinte junta-se a este grupo Matthew Fisher, ex-Procol Harum, Phil May e Dick Taylor ex-Pretty Things e Mick Green ex-Pirates, formando uma química forte, porém mais suavizada, com um repertório que também passa a incluir números como "Green Onions" "Don't Let Me Be Misunderstood" e "Bright Lights, Big City". Com a saída de Fisher e a entrada de Noel Redding ex-Experience em 1990, o som volta a puxar mais para o pesado e a banda é rebatizada agora de The Yardbirds Experience. A banda aceita o desafio de gravar uma versão de "Communication Breakdown" e "Whole Lotta Love" além de um tributo a Hendrix com um medley que inclui "Hey Joe", "Wind Cries Mary" e "Purple Haze", no CD que saiu deste trabalho.

Quando em 1992 The Yardbirds é nomeado para ser incluído no Rock n’ Roll Hall of Fame, o evento instiga uma reunião da banda que, apresentam-se para a cerimônia com uma formação que inclui além de Jim McCarty e Chris Dreja, Jeff Beck, Jimmy Page e o ex-10cc Graham Gouldman, autor de "For Your Love", entre outros hits do repertório original da banda. A partir da aceitação do publico neste show, Chris Dreja e Jim McCarty passam a contemplar seriamente reavivar o nome Yardbirds.

Mas foi somente em 1996 que Dreja e McCarty passam a excursionar novamente utilizando o nome. Desta vez com uma formação fixa que inclui Alan Glen que já tocara com gente como Alvin Lee e Dr. Feelgood na gaita e percussões; Gypie Mayo, outro ex-Dr. Feelgood, um talentoso guitarrista que mantém a tradição da banda por grandes guitarristas e John Idan ex-Jim McCarty Band, no baixo e vocalista principal, fechando o grupo. A banda além de representar o repertório clássico da banda, viabiliza a inserção de material novo, composto geralmente pela dupla Dreja e McCarty.

Somente na década de oitenta a a critica especializada voltaria a refletir e conceder a devida importância the Yardbirds merece, ofuscados em parte, pelas incríveis carreiras de seus guitarristas Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page. Os rave-up's, concepção criado pelos Yardbirds, antecipa em até três anos a concepção de power blues tão em voga a partir de 66/67. Cream, tão respeitado por instituir o improviso livre no rock, nada mais fez, do que esticar a concepção do rave-up criado pelos Yardbirds. Enquanto a demanda nas rádios era regido por canções pop melódicos, como a dos Beatles em 1965, the Yardbirds com Jeff Beck, estavam criando os princípios do psicodelísmo. Intuitivamente na vanguarda, má gerenciamento somados a falta de profissionalismo por parte dos seus integrantes, fizeram a banda perder aos poucos, quase todo o seu público, especialmente na Inglaterra. A nova banda que hoje excursiona com o nome Yardbirds, mesmo que usurpando esta historia para vender ingressos, é a última oportunidade de se assistir um pouco da energia que emanava deles na década de sessenta.

1964 - Five Live Yardbirds

1965 - For Your Love

1965 - Having a Rave Up with The Yardbirds

1966 - Blow-up Soundtrack

1966 - Over Under Sideways Downcapa alternativa

1966 - Sonny Boy Williamson & The Yardbirdscapa alternativa

1967 - Little Games

1967 - The Yardbirds Greatest Hits

1971 - Live Yardbirds feat Jimmy Page

1972 - Blue Eyed Blues

1998 - The First Recordings '63

1999 - BBC Sessions

2001 - Ultimate!

2003 - Birdland

2003 - Blueswailing July '64 (Live)

2007 - Live at B.B.King Blues Club

SENHAS/INFORMAÇÕES NOS COMENTÁRIOS.

PROCURA-SE DESESPERADAMENTE !!!!!
parte II

2000 - Cumular Limit

Abraço a todos!

Espero que gostem.

Midnight Oil

2008-06-11T05:32:00.000-07:00

Por Amauri Celso

O Midnight Oil é conhecido em todo o mundo como uma banda de ideais políticos e ambientais fortes. Sua maneira de abordar tais temas a transformou suas canções em hinos e suas apresentações em comícios, mantendo vivo o espírito contestador e inconformista do rock. Os Oils, como são chamados pelos fãs, também ficaram conhecidos por terem obtido legalmente junto à gravadora o pleno controle sobre sua obra artística, não se submetendo as regras do mercado fonográfico.

No início a banda girava em torno de três amigos Jim Moginie, Rob Hirst e Andrew James, que em 1972 formaram o The Farm. A banda fez apresentações antológicas e conquistou uma legião de fãs especialmente surfistas da cidade de Sidney.

O Farm continuou como um trio até 1975, a entrada de um estudante de direito chamado Peter Garret agitou mais ainda os shows da banda que nessa época fazia uma mistura de AC/DC e Focus.

Com o relativo sucesso da banda, no final de 1976 a banda muda seu nome para Midnight Oil. No início de 1977 um novo membro se junta a banda, o guitarrista Martin Rotsey. Com novo nome e formação o Midnight Oil passa a compor novas músicas com letras mais políticas.

Em 1978, o Midnight Oil criou o seu próprio selo chamado "Powderworks", e por ele lançaram seu primeiro álbum intitulado "Midnight Oil". O álbum trouxe grandes canções como "Used and Abused", "Run by Night" e claro, a faixa "Powderworks". Estas músicas demonstravam um enorme poder de fogo da banda que parecia não acabar.

O álbum os levou as paradas australianas e o relativo sucesso a um segundo disco lançado em 1979, chamado Head Injuries, e não demorou para que fizesse ainda mais sucesso que o primeiro.

No ano seguinte o baixista e um dos fundadores da banda Andrew James é forçado a sir por problemas de saúde, para seu lugar é recrutado Peter Gifford. No mesmo ano a banda lança o Ep "Bird Noises", com quatro músicas inéditas.

Em 1981 os Oils se mudam para a Inglaterra onde gravam o impecável "Place Without a Postcard", um álbum recheado de clássicos e ainda mais político que os anteriores. Na metade do ano seguinte a banda grava "10,9,8,7,6,5,4,3,2,1,0" um dos melhores um dos pontos altos na discografia da banda. Surgiram hinos como "Power and Passion", "Read About It" e "U.S. Forces". Este álbum é um dos marcos da música australiana.

Este disco os levou ao 3º lugar nas paradas onde permaneceram por meses e vendeu a incrível marca de 250.000 cópias.

Os The Oils celebraram também o lançamento de seu álbum pela primeira vez no exterior, assinaram contato com a CBS na Inglaterra e com a Columbia nos Eua.

No início de 1983 eles participaram do Festival "Myer Music Bowl", realizado em Melbourne com o objetivo de ajudar na campanha do "Desarmamento das Bombas Nucleares".

No ano seguinte eles foram para Tóquio - Japão, onde gravaram seu próximo álbum com o mesmo produtor de "10,9,8...". "Red Sails in the Sunset" foi lançado em outubro e marcou uma a fase mais experimental da banda na parte instrumental da banda.O disco incluía muitos efeitos eletrônicos misturados ao característico som de guitarra da banda.

Em 1985 a banda lança outro Ep "Species Deseases", foi lançado em meio a uma fase de transição da banda, e conta com 4 músicas inéditas, entre elas Progress e Hercules, duas excelentes músicas.

No inverno de 1986 o Midnight Oil partiu para uma espetacular turnê "Blackfella/Whitefella" no deserto Australiano, para se apresentar para as comunidades Aborígines. Estas apresentações contaram com a extraordinária banda local Warumpi, formada inteiramente por Aborígines. O escritor Andrew McMillan documentou toda esta turnê no livro "Strict Rules", que mostra como a música pode mudar toda uma cultura.

Em 1987 o Midnight Oil atinge o auge de seu sucesso com o lançamento do álbum "Diesel and Dust". O álbum inspirado na turnê "Blackfella/Whitefella" é considerado até os dias de hoje um dos maiores álbuns já lançados em toda a Austrália. Poderoso, dinâmico e revelador, músicas como "Beds are Burning", "Put Down that Weapon", "Dreamworld", "The Dead Heart" e "Sell My Soul", foram instantaneamente convincentes para que eles fossem considerados a melhor banda de rock surgida na Austrália nos anos 80.

Com o álbum "Diesel and Dust", eles alcançaram o topo das paradas na Austrália, ficaram em 19º na Inglaterra, 1º na França e 21º nos Estados Unidos.

Após uma exaustiva turnê a banda retorna aos estúdios, após 2 anos a banda lança "Blue Sky Minning"outro marco na carreira da banda e da música mundial. O álbum vendeu 2 milhões de cópias e se transformou em um clássico do rock australiano. O Oils passaram o resto de 1990 excursionando pelos EUA e pela Europa.

Esta turnê culminou em uma das melhores apresentações da banda. Em Nova York, na ilha de Manhattam, um show protesto contra o vazamento de óleo acontecido no Alaska. O show foi realizado em frente do prédio da companhia responsável pelo incidente. Este protesto atraiu a atenção mundial para a causa e subseqüentemente foi lançado um documentário chamado "Black Rain Falls", gerando fundos para o Greenpeace.

Retornando à Austrália em novembro do mesmo ano, eles fizeram uma grande turnê por todo o país depois de 3 anos afastados e ainda faturaram o prêmio "Crystal Globe Award", por terem vendido mais de 5 milhões de cópias de "Blue Sky Mine" fora da Austrália.

Em 1991 a banda tirou férias e seus membros fizeram participações em diversas outras bandas. Em junho de 1992 a banda lançou o álbum ao vivo "Scream in Blue Live", um álbum em que a banda fez questão de registrar a sua fúria em palco. Vale lembrar que o álbum contém músicas registradas entre um período de 8 anos (1982 – 1990).

Em 1993 a banda lança Earth, Sun and Moon, o nono álbum de estúdio,outro sucesso mundial. Os singles "My Contry" e "Truganini" ganharam status de clássicos. Em 1995 eles gravam o álbum "Breathe" que só seria lançado em 1996.

Depois disto veio a coletânea "20,000 Watt R.S.L.", lançada em novembro de 1997 e que vendeu 150 mil cópias somente na Austrália. Com esta vendagem a banda recebeu um álbum de platina. O cd conta com 18 faixas consagradas e o encarte do Cd é um show a parte.

Em 1998 os Oils lançam "Redneck Wonderland". Um álbum experimental que inclui arranjos eletrônicos e guitarras furiosas. No ano seguinte a banda lançou uma espécie de acústico, um cd que conta também com algumas músicas até então inéditas, na verdade 3 novas composições e uma cover.

O Cd "The Real Thing" traz todos os grandes clássicos em versões ao vivo tiradas do acústico MTV gravado em Nova York. Já no final de 2001 foi lançado um novo cd da banda "Capricornia". O álbum tem 11 faixas e conta ainda com um CD Rom que mostra uma espécie de "Making of..." do processo de composição do álbum.

Após o lançamento de "Capricornia" e uma turnê pelo mundo o Midnight Oil encerrou suas atividades. O principal motivo foi a saída do insubstituível vocalista e "front-man" Peter Garret em 2002.

Em 2004 Garret foi eleito para uma cadeira no congresso australiano o que dificultará a volta da banda. Pelo menos por enquanto.

Formação original:
- Peter Garrett (vocals),
- James Moginie (guitar, keyboards),
- Martin Rotsey (guitar),
- Robert Hirst (drums),
- Andrew 'Bear' James (bass 1972-1980),
- Peter Gifford (bass 1980-1987)
- Dwayne "Bones" Hillman (bass 1987-2002)

1978 - Midnight Oil

1979 - Head Injuries

1980 - Bird Noises EP

1981 - Place Without a Postcard

1982 - 10,9,8,7,6,5,4,3,2,1

1984 - Red Sails In The Sunset

1985 - Species Deceases EP

1987 - Diesel and Dust

1990 - Blue Sky Mining

1992 - Scream In Blue

1993 - Earth and Sun and Moon

1996 - Breathe

1997 - 20,000 Watts R.S.L

1998 - Redneck Wonderland

2000 - The Real Thing

2001 - No Mans Land [single]

2002 - Capricornia

2004 - Best of Both Worlds

2006 - Flat Chat

senha/informações nos comentários

Elton John - Discografia - Parte II

2008-06-02T09:19:00.000-07:00

Dando continuidade ao maravilhoso trabalho do Mr Bad Guy, que colocou a primeira parte da discografia desse monstro sagrado, compartilho com a galera a segunda parte.

Link para a primeira parte aqui.

1971 - Friends Soundtrack

1974 - Elton John & John Lennon Live at Madison Square Garden

1974 - Greatest Hits

1977 - Greatest Hits Volume II

1981 - The Fox

1983 - Too Low For Zero

1984 - Breaking Hearts

1985 - Ice on Fire

1986 - Leather Jackets

1987 - Greatest Hits Volume 3

1987 - Live in Australia with the Melbourne Symphony Orchestra

1988 - Reg Strikes Back

1989 - Sleeping With The Past

1992 - Rare Masters

1992 - The One

1993 - Duets

1994 - The Lion King Soundtrack

1995 - Made in England

1996 - Live Like Horses [single]

1996 - Love Songs

1997 - Candle in the Wind [single]

1997 - The Big Picture

1998 - Elton John & Tim Rice's Aida

1999 - The Muse Soundtrack

2000 - One Night Only

2000 - The Road to El Dorado

2001 - Songs From The West Coast

2004 - Peachtree Road

2005 - Christmas Party

2006 - The Captain & The Kid

2007 - Rocket Man - The Definitive Hits

Espero que gostem.

Informações / senha no comentário.

Abraços!

Renaissance - Discografia

2008-06-02T04:39:00.000-07:00

Links atualizados (finalmente!!!!)

Por Vinicius Soares (whilpash.net)

Renaissance pode ser considerado um dos grandes ícones do Rock Progressivo. Conhecido pela bela voz de Annie Haslam e por grandes arranjos orquestrados. Tudo começou em 1969, com Keith Ralf (vocal, guitarra, harmônica) e Jim McCarty (bateria, percussão e vocal), ex-membros do Yardbirds, organizando uma nova banda. Mais tarde vieram os outros membros para completar a banda, John Hawken (piano, harpsichord), Louis Cennamo (baixo) e Jane Relf (vocal). Com essa formação lançam o primeiro disco em 1969, chamado "Renaissance". No segundo álbum "Ilusion" algumas pessoas importantes participaram nele. Como Neil Córner (baixo), Slade (bateria), T. Crowe (vocal) e Michael Dunford (guitarra). Este último mais tarde teria um papel fundamental na banda.

Esses dois primeiros álbuns foram gravados com a primeira formação. A partir deste momento a banda se desfez, nenhum membro fez mais parte da banda, e um novo projeto estava sendo encaminhado. O novo Renaissance estava voltando em 1972, com um novo álbum, "Prologue". É a estréia de uma das mais belas vozes que o mundo já conheceu, e a dona dela é Annie Haslam. Completam o grupo John Tout (teclados, vocais), Rob Hendry (guitarra, mandolin, cimbais e vocais), John Camp (baixo, tambura e vocais), e Terry Sullivan (bateria, percussão). O disco ainda tem a participação de Francis Monkman (tecladista do Curved Air), com um solo de VCS 3 na música Rajah Khan. É um disco brilhante, com Annie Haslam passando por uma ótima fase, músicas marcantes como Kiev e Prologue são destaques do disco. Mas o grande estouro da banda foi no ano seguinte, com o lançamento da obra-prima "Ashes Are Burning". Neste disco temos a saída do guitarrista Rob Hendry, a participação efetiva do compositor Michael Dunford com o violão e vocal, e uma outra participação especial do guitarrista Andy Powell com um solo de guitarra memorável na música "Ashes Are Burning". Todas as músicas do álbum são muito boas, e isso faz com que ele seja uma obra-prima. A banda segue a todo vapor, e em 1974 lança o excelente "Turn Of The Cards", que é considerado por muitos fãs da banda o melhor disco da carreira. Com toda certeza está entre os melhores. Os arranjos estão cada vez mais bem feitos, e a voz de Annie Haslam mais bonita ainda. O disco começa com a poderosa "Runing Hard", seguidos pela bela "I Think You" e a fantástica "Things I Dont Understand". Sem contar dois grandes clássicos como "Black Fame" e "Mother Rússia". A fase dourada da banda não acaba, e mais uma bomba é lançada. "Scheherazade And Other Stories" traz a épica "Song of Scheherazade" (24 minutos) e "Ocean Gypsy" como uma das melhores músicas da banda. Em 1976 lançam o álbum "Live at Carnegie Hall" com versões ao vivo das músicas. As músicas são tão bem executadas que dá para confundir com as versões de estúdio. Destaque também para a versão de 23 minutos de "Ashes Are Burning", com um solo vocal de Annie Haslam.

O Renaissance não para, e lança em 1977 "Novella", contendo pérolas como "The Sisters" e "Can you Hear Me?". E em 1978 temos "A songs for All Seasons", um bom álbum, adorado pelos fãs da banda.

Essa foi a grande época do Renaissance, na década de 80 a banda para, só voltando no começo dos anos 90, e em 2001 com "Tuscany", durante todo esse tempo foram lançados algumas coletâneas e álbuns com apresentações ao vivo da banda. Certamente é uma banda memorável, não há palavras que possam definir o grande encanto que o som de Renaissance oferece as pessoas, com belas melodias, arranjos, instrumentistas de alta qualidade, a voz magnífica de Annie Haslam, as composições de Michael Dunford. Uma banda fenomenal que nunca será esquecida!

1969 - Renaissance

1971 - Illusion

1972 - Prologue

1973 - Ashes Are Burning

1974 - Turn of the Cards

1975 - Scheherazade & Other Stories

1976 - Live at Carnegie Hall

1977 - Novella

1978 - A Song for All Seasons

1979 - Azure d'Or

1981 - Camera Camera

1983 - Time Line

1997 - Songs from Renaissance Days

2001 - Tuscany

senha/informações - nos Comentários

Abraço a todos!

The Band - The Last Waltz DVD

2008-04-22T18:15:00.000-07:00

Boa Noite!

Após longo e tenebroso período sem postar (é tenebroso mesmo!!!)... é o que tinha a postar urgentemente antes que saísse do ar (já tá upado há um bom tempo).

download

Acho que não preciso comentar mais nada né.

Espero que gostem.

pw in comments.

Abraços!

Abraços!

Uncle Slam - Discografia

2008-03-14T17:46:00.000-07:00

Boa Noite a todos!!!

Saudações alvi-azuis aos Cruzeirenses de plantão!

Este post vai direto pra cabeça... é uma das melhores bandas de crossover / thrash metal que eu já vi.

Dela sairam alguns integrantes do Suicidal Tendencies e Hirax... dentre outras bandas nem tanto conhecidas.

O som deles remete a Nuclear Assault, Napalm Death, D.R.I., S.O.D... variando e chegando a parecer em alguns momentos com uma mistura de Metallica (na extinta-melhor fase) com Slayer, mostrando um som limpo e cheio de técnica, aliado a ótimos vocais.

Absolutamente recomendável!

1988 - Say Uncle
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1993 - Will Work for Food
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1995 - When God Diesdownload

Um ótimo final de semana a todos!

Tourniquet - Discografia

2008-03-11T07:06:00.000-07:00

Por Maurício Gomes Angelo

A história do Tourniquet teve início em 1990, Los Angeles, EUA.

Surgidos numa época onde o white metal estava a todo vapor, principalmente nos Estados Unidos, com inúmeras bandas fazendo muito sucesso e lançando álbuns de qualidade excelente, maioria destas bandas fazendo o clássico hard rock tão em voga na época, o Tourniquet veio para inovar, com um som diferente e uma postura mais próxima da realidade.

Ted Kirkpatrick, fundador do grupo e mais tarde reconhecido como um dos melhores bateristas do mundo se juntou a Guy Ritter no vocal, Gary Lenaire e Marky Lewis nas guitarras e Erik Jan James no baixo e lançaram no mesmo ano o primeiro álbum, Stop The Bleeding.

De grande impacto no meio cristão, Stop The Bleeding revelava as características que fariam do Tourniquet uma das melhores e mais importantes bandas de white metal da história, de quebra, ainda receberam as duas primeiras indicações para o Dove Awards, maior prêmio da música cristã e outras premiações pelo vídeo de "Ark of Suffering".

Uma música pesada, quebrada, de arranjos criativos e inovadores, velocidade, brutalidade e melodia reunidas como nunca tinha se visto, somada a isso, a incrível genialidade de Ted para compor, temas sociais, políticos, existenciais e é claro, espiritualidade com perspectiva bíblica, recheadas por inspirações de jargões médicos de Edgar Allan Poe e narrativas do velho testamento.

Letras sempre de temas importantes e polêmicos, como "Ark of Suffering", que fala da visão bíblica contra o abuso de animais e "Ruminating Virulence" dando esperança para o seriamente inválido.

De qualidade imediatamente reconhecida, podemos ilustrar com o fato de Ted Kirpatrick ter ganhado por mais de dez anos consecutivos o prêmio de "melhor compositor do ano" pela Heavens Metal Magazine, a maior revista de white metal do mundo, além de incontáveis vezes o de melhor baterista.

Psycho Surgery, de 1991, continuava a devastação do primeiro álbum e mais duas indicações para o Dove Awards.

Os álbuns iam se seguindo e a fama crescendo, o Tourniquet ia cada vez mais fazendo história, alcançando prestígio, sucesso e arrebanhando fãs.

Pathogenic Ocular Dissonance de 1993, mostrava em essência um thrash metal mais puro, pesado, quebrado e intenso, considerado um dos seus melhores trabalhos e mais tarde eleito pela HM Magazine o melhor álbum de white metal da década de 90.

Guy Ritter, Ted Kirpatrick, Gary Lenaire, Marky Lewis e Victor Macias, foram a formação responsável por álbuns que ficariam marcados eternamente na história do white metal, época também onde Ted contava muito com Ritter, Lenaire e Macias para compor as músicas, é bom que se faça justiça e fique mencionado a importantíssima participação destes integrantes, já que é muito pouco se falado e as glórias vão todas para Ted.

Com turnês cada vez maiores e mais abrangentes em todo o globo, também ficaria conhecida a fidelidade de seus fãs e o respeito da banda para com eles.

A versatilidade e originalidade do grupo iam ficando cada vez mais evidentes ao longo do tempo, de sonoridade complicada e abrangente, o que acabou gerando diversas classificações, de thrash a speed metal, passando por hardcore e hard rock (!?), ficando mais progressivo e clássico com o passar dos anos.

Já foi até usado o desenho-exemplo de que seria como se Beethoven encontrasse Frankestein, genialidade musical com peso e arranjos desconcertantes.

Sempre primando pela originalidade e inovação, nunca se prendendo a rótulos e querendo surpreender, por isso nunca se sabe o que se esperar de um álbum do Tourniquet.

Mesmo com os ventos soprando a favor, neste momento ocorre a troca de vocalista, saindo Guy Ritter e entrando o também excepcional Luke Easter.

A entrada de Luke abre novas possibilidades para a banda, e dão outros rumos ao seu som, tornando-se mais abrangente e com mais variações.

O aclamado e acessível Vanishing Lessons, de 1994, já mostrava isso, a gama de influências agora era bem maior, com um "groove" bem diferente dos trabalhos anteriores, sem abandonar o peso, configurava-se como mais um clássico em sua discografia, arrebatando alguns importantes prêmios internacionais e indicados duas vezes mais para o Dove Awards.

Já definitivamente consagrados e com liberdade total para fazerem o que quiserem, Crawl To China de 1997, escancarava como nunca as influências mais diversificadas da banda, mais alternativo, leve e experimental, contava também com a participação de Tim Gaines, ex baixista do Stryper, um álbum odiado por alguns, mas amado por muitos, confirmando o Tourniquet como uma banda de sempre gerar controvérsias e discussões acaloradas.

Sem esquecer das contribuições de Vince Dennis, baixista – cargo até hoje problemático no Tourniquet - e depois de algumas mudanças na formação, o line up se estabilizava com Ted na bateria, Luke no vocal, Aaron Guerra na guitarra e Steve Andino no baixo.

Acoustic Archives, este sim surpreendente em todos os sentidos, um álbum inteiramente acústico, agradou a tudo e á todos, de transposição perfeita e marcante, as músicas ganharam em melodia e sentimentalismo, de reputação técnica e musical intacta, o repertório ao vivo também funcionou muito bem.

Muito bem aceitos nos EUA e resto do mundo, a banda já acumula 17 músicas que alcançaram o primeiro lugar dos "rock-charts" americanos.

Isto sem nunca terem se vendido e apelado para o comercial.

De nome emblemático e marcante, que inicialmente significa um instrumento usado na medicina para estancar sangramentos e transcrito pela banda como "um processo espiritual permanente, pela qual a morte e ressurreição de Cristo dá a base para te livrar do pecado e que surge de forma espontânea na sua vida através de seu filho Jesus: Deus é nosso Torniquete, nosso criador e protetor".

Recebendo mais uma vez as "bênçãos" de uma grande gravadora, a Metal Blade que voltava a ter a banda em seu cast, Microscopic View of a Telescopic Realm de 2000, mostrava-se um dos álbuns de sonoridade mais completa do Tourniquet, tinha a influência de música clássica bem mais evidente, inserida em composições longas, de variações climáticas e interpretações de peso, uma rara combinação de thrash metal raiz com música clássica influenciada por Bach, Paganini e Beethoven, com participação de Steve Rowe e até com o uso de berimbau na música Martyrs Pose. Outro álbum que fascinou críticos e agradou aos fãs, apesar de sua sonoridade densa e de apreciação demorada.

Mais uma vez a característica e habilidade nata da banda em inovar e ser original a cada álbum se mostrava presente.

A beira da gravação do próximo álbum, inesperadamente Aaron Guerra decide sair do Tourniquet, sem tempo para achar um novo integrante oficial, convidam um velho amigo para gravar as guitarras, Marty Friedman que fora imortalizado como guitarrista do Megadeth aceita o convite, dividindo as seis cordas com Bruce Franklin do Trouble, dessa forma Where Moth&Rust Destroy resgata ainda mais o thrash metal agressivo(o que era de se esperar...) com pitadas clássicas, desta vez sem uma mudança brusca de sonoridade com relação ao seu antecessor, as letras continuam brilhantes, desde interpretações bíblicas até a crítica ao materialismo da faixa título.

De qualidade sonora irrepreensível a anos, e com seus integrantes sendo instrumentistas reconhecidos no metal mundial, inclusive ilustrando capas de revistas especializadas, o Tourniquet segue levando sua mensagem de forma sábia e original, fazendo um som que independemente de que estilo estiver inserido sempre prima por sua qualidade e originalidade, e sem nunca renegar sua procedência cristã.

1990 - Stop the Bleeding
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1991 - Psycho Surgery
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1993 - Intense Live Series Vol 2
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1993 - Pathogenic Ocular Dissonance
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1994 - Vanishing Lessons
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1995 - Carry the Wounded EP
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1997 - Crawl to China
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1998 - Acoustic Archives
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1998 - The Collected Works of Tourniquet
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2000 - Microscopic View of a Telescopic Realm
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2003 - Where Moth and Rust Destroy

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Grande abraço a todos!

Manfred Mann's Earth Band

2008-02-22T04:47:00.000-08:00

Infelizmente não encontrei uma biografia em português dessa maravilhsa banda de jazz-rock.
Se alguém tiver tempo e paciência para traduzir alguma, me manda que eu posto aqui.

1972 - Manfred Mann's Earth Band dane-se a DMCA

1972 - Glorified Magnified dane-se a DMCA

1973 - Messin'dane-se a DMCA

1973 - Solar Fire dane-se a DMCA

1974 - The Good Earth dane-se a DMCA

1975 - Nightingales & Bombers dane-se a DMCA

1976 - The Roaring Silence dane-se a DMCA

1978 - Watch dane-se a DMCA

1979 - Angel Station dane-se a DMCA

1980 - Chance dane-se a DMCA

1984 - Budapest Live dane-se a DMCA

1984 - Somewhere in Afrika dane-se a DMCA

1986 - Criminal Tango dane-se a DMCA

1987 - Masque dane-se a DMCA

1991 - Plains Music dane-se a DMCA pt 1
dane-se a DMCA pt 2

1996 - Soft Vengeance dane-se a DMCA

2006 - World of Mann dane-se a DMCA pt 1
dane-se a DMCA pt 2
dane-se a DMCA pt 3

Grande abraço a todos!

Tenham um ótimo final de semana!

Stone the Crows

2008-01-31T07:49:00.000-08:00

texto retirado do Scream & Yell

Formada no final dos anos 60 em Glasgow, na Escócia, inicialmente como Power, por Maggie Bell e Leslie Harvey no comando, o Stone the Crows iniciou se destacando em barzinhos na sua cidade natal. Após viagens aos Estados Unidos e Inglaterra, a banda foi descoberta por Peter Grant, empresário da mega banda Led Zeppelin. Certamente isto os ajudou um pouquinho em sua caminhada.

Renomeada como Stone the Crows, o grupo estreou com seu primeiro álbum em 1970. O disco, homônimo, conta com várias músicas de outros compositores assim como os vocais divididos entre Maggie Bell e o tecladista John McGinnis. Além destes, a banda era formada por Jim Dewar no baixo, Colin Allen na bateria e Leslie Harvey na guitarra. Alias, Leslie (Les) era o irmão mais novo do cantor Alex Harvey, da maravilhosa Sensational Alex Harvey Band.

Apesar de muito interessante, Stone the Crows acabou não alcançado o sucesso esperado. Este disco conta com uma cover de Danger Zone do fundamental Curtis Mayfield, ídolo de Maggie. Em seguida, o grupo entrou em estúdio para gravar Ode to John Law, que recebeu maior destaque nas rádios, e focava o repertório em composições próprias, ao contrário da estréia. Os destaques são a ótima Things are Getting Better e Mad Dogs and Englishman, homônima do disco do Joe Cocker.

Como a banda ainda não havia decolado, apesar do bom destaque do segundo álbum, tanto Dewar quanto McGinnis deixaram o grupo dando lugar para o baixista Steve Thompson além do tecladista Ronnie Leahy. As mudanças se mostraram muito interessantes. Teenage Licks, o terceiro álbum, lançado em 1971, exibiu uma banda segura, coesa e contando com grandes canções. O disco é excelente do começo ao fim, com destaque para Big Jim Salter, One Five Eight (ironicamente composta por McGinnis) além de um ótimo cover de Bob Dylan, Don't Think Twice (é impressionante como tantas bandas fazem excelentes versões para as obras primas de Dylan). Sem dúvida, mais uma grande homenagem ao homem.

Teenage Licks apresentou a banda ao sucesso. Maggie está cantando como nunca neste álbum, que também traz Les Harvey mandando ver na guitarra além da ótima linha de baixo de Thompson. Alias, Maggie foi eleita como a cantora do ano pela revista Melody Maker. Nesta altura, a banda já excursionava com nomes como David Bowie, T. Rex, Frank Zappa, Roxy Music e MC5, entre outros.

Porém nem tudo eram flores na vida do Stone the Crows. Em 3 de maio de 1972, durante um show no Swansea's Top Rank Ballrom, a banda sofreu com uma tragédia: Les Harvey morre eletrecutado quando toca simultaneamente no microfone e na guitarra. A tragédia abalou para sempre os integrantes da banda que jamais se recuperaram da perda de seu guitarrista. Cinéfilos devem ter lembrado da cena, que foi recriada no filme Quase Famosos, de Cameron Crowe. No filme, no entanto, o guitarrista não morre. A vida é bem diferente no cinema.

Para terminar a turnê, a banda recebeu o apoio de Steve Howe (sim, o exímio guitarrista do Yes). Eles ainda tentaram recrutar outro músico, Peter Green do Fleetwood Mac, porém este, apesar do bom entrosamento, acabou não ficando com o Stone the Crows. Nesta fase, eles já estavam gravando seu quarto álbum. Para terminá-lo (Harvey já havia gravado 6 faixas), o grupo decidiu chamar o guitarrista Jimmi McCulloch. Apesar de conseguirem terminá-lo, Ontinuous Performance não repete o êxito de Teenage Licks. O álbum é interessante, porém não possui a força do anterior e a banda acaba se separando no inicio de 1973.

Maggie Bell ainda se aventurou em uma carreira solo, lançando os discos Queen of the Night e Suicide Sal, ambos de relativo sucesso. Além disto, ela participou de shows com a banda funk (ops!) Eart Wind and Fire. Por fim, Maggie ainda fez parte de algumas sessões de gravações com o produtor do Cream e baixista do Mountain, Felix Pappallardi, porém estas sessões ficaram perdidas em algum lugar e jamais foram lançadas. Ouvindo Maggie Bell é impossível não se lembrar da cantora Janis Joplin, porém o som da banda lembra muito mais o Faces, do também cantor rouco Rod Stewart (além do pré-stone Ronie Wood).

Todos os discos do Stone the Crows foram relançados em CD em 1997 pela Repeirtore Records, podendo ser encontrados com facilidade. Quanto aos vinis, certamente são bem mais difíceis. Assim como o legendário Lynyrd Skynyrd, o Stone the Crows teve sua carreira interrompida por uma tragédia, exatamente no seu melhor momento, deixando sem duvida um belo legado ao mundo do bom, velho, às vezes trágico, mas sempre apaixonante rock and roll - but I like it.

1970 - Stone the Crows download

1970 - Ode to John Lawdownload parte 1
download parte 2

1971 - Teenage Licks download

1972 - Ontinuous Performancedownload parte 1
download parte 2

Roxy Music

2008-01-28T03:21:00.000-08:00

Por André Gustavo Nicoluzzi Vieira

Como uma evolução do movimento art-rock dos últimos anos da década de 60, o Roxy Music chamou a atenção pela moda, glamour, pop art, e o avant-garde, no qual separou a banda de seus contemporâneos. Vestidos de maneira bizarra e agressiva, o grupo realizou uma definitiva variação do artrock que pendia para o avant-rock e para as raízes sedosas do pop.

Durante o começo dos anos 70, o grupo foi conduzido por uma tensão muito criativa e produtiva entre Bryan Ferry e Brian Eno, nos quais cada um puxava a banda para direções diferentes: Ferry tinha um gosto especial pelo soul norte-americano e o art-pop dos Beatles, enquanto Eno estava ligado a revolução do rock com o amadorismo e experimentalismo inspirado pelo Velvet Underground. Esta deliciosa tensão entre os respectivos membros da banda gravou apenas dois álbuns, mas inspirou uma grande legião de imitadores – não apenas os glam-rockers do começo dos anos 70, mas também os art-rockers e os grupos de pop e new wave do final da mesma década. Seguindo a saída de Eno, o Roxy Music continuou sua concepção artística por alguns álbuns antes de, gradativamente, trabalhar com elementos de disco e soul. Dentro de pouco tempo, o grupo desenvolveu um soul-pop sofisticado e interessante, demonstrando uma dependência do estilo romântico e elegante de Bryan Ferry. Pelos anos 80, o grupo se tornou um veículo para Ferry, e então não foi uma surpresa quando este dissolveu o grupo no seu ponto comercial mais alto, no começo dos anos 80, para iniciar uma carreira solo.

Filho de um mineiro de carvão, Bryan Ferry (Vocais, teclados) estudou arte com Richard Hamilton na Universidade de Newcastle antes de formar o Roxy Music em 1971. Na Universidade, ele cantou em bandas de rock, se juntando ao grupo de R&B The Gás Board, no qual também participava o baixista Graham Simpson. Ferry e Simpson decidiram formar sua própria banda quando se aproximavam os anos 70.

Eventualmente recrutaram a saxofonista Andy Mackay, que participara anteriormente da Orquestra Sinfônica de Londres. Através de Mackay, Brian Eno se juntou à banda. No verão de 1971, a banda – originalmente chamada de Roxy, mas o nome foi trocado após a descoberta de uma banda norte-americana que já possuía este nome – recrutou o percursionista clássico Dexter Lloyd e o guitarrista Roger Bunn, através de um anúncio na Melody Maker. Ambos os músicos deixaram a banda após um mês de permanência, mas ainda assim gravaram alguns materiais demos da banda. Um outro anúncio foi postado na mesma Melody Maker e desta vez, o grupo conseguiu o baterista Paul Thompson e o guitarrista Davy O’List, os quais tocavam anteriormente com o The Nice. O’List deixou a banda no começo de 1972 e foi reposto com Phil Manzanera, um membro formador do Quiet Sun. Antes de gravar o primeiro álbum, Simpson deixou a banda. O Roxy Music jamais preencheu o seu lugar de maneira permanente. Ao invés de optar pela reposição, o grupo contratava novos baixistas para cada turnê ou disco a ser gravado, começando por Rik Kenton, no qual participa do auto-intitulado álbum de estréia da Island Records. O álbum traz uma estranha combinação de músicas dos anos 50, 60 e o funk dos anos 70, além de barulhos de naves espaciais.

Produzido por Peter Sinfield do King Crimson, o primeiro trabalho (Roxy Music) alcançou o Top Ten britânico (álbum pop), no verão de 1972. Pouco tempo depois, o single "Virginia Plain" também atingiu o top ten britânico, seguido pelo single "Pyjamarama" no começo de 1973 (Essas duas faixas não foram lançadas em nenhum álbum oficial até então). Enquanto o Roxy Music se tornava uma sensação na Inglaterra e no resto da Europa devido a sua fusão da cultura de alta sociedade com a arte brega e bizarra, eles encontravam problemas para colocar os pés em território norte-americano (Apesar de já ter tocado nos EUA em turnês com Jethro Tull, Humble Pie e Steve Miller, entre outros). Ambos os álbuns Roxy Music (1972) e For Your Pleasure (1973 – gravado com o baixista John Porter) eram aceitos com um enorme entusiasmo pelos britânicos, entretanto eram virtualmente ignorados pelos Estados Unidos da América.

Ao voltar dos EUA, a figura de Eno era cada vez mais misteriosa e intrigante, e este também apresentava uma evolução muito grande com a mídia e a audiência da banda. Ele se tornara responsável pelos efeitos no som da banda, e em determinadas entrevistas à mídia, já era inevitável ver algo estranho entre Eno e Ferry. Exatamente nesta época se iniciam os atritos entre Ferry e Eno dentro da banda. Além das diferenças musicais, Eno se sentiu extremamente frustrado após Ferry ter se recusado inúmeras vezes de gravar suas composições nos álbuns. Eno deixou a banda logo após a gravação de For your Pleasure, o que é talvez o melhor disco do Roxy Music.

Este segundo álbum se mostra mais enérgico e mais puxado ao rock britânico da época. A primeira faixa, "Do the Strand", é rápida e dançante assim como "Editions of you". Destaque também para as composições ultra-alternativas de Ferry, onde, por exemplo, em "In Every dream a heartache", ele declara o seu amor por uma boneca inflável: "I blew up your body, but you blew my mind".

Antes de iniciar as gravações do terceiro álbum, Ferry lança o seu primeiro disco solo, These Foolish Things, no qual é constituído de covers de rock e pop (inclusive uma versão de "Simpathy for the Devil", dos Stones).

Stranded foi lançado em 1973 e logo de cara se tornou o primeiro álbum da banda a atingir o número um nas paradas britânicas. Stranded foi gravado com um novo membro do Roxy Music, Eddie Jobson, um multi-instrumentalista no qual trabalhou anteriormente com o Curved Air. Este álbum também é o primeiro a dar créditos musicais a alguém da banda que não fosse Bryan Ferry, nesse caso, Manzanera e Mackay. Ouvindo o disco, é possível perceber que sem Brian Eno, o Roxy Music ficou menos experimental. O mestre dos efeitos já não fazia mais parte da banda, entretanto o grupo se mostrava mais aventureiro. Agora sem os banhos de sintetizadores de Eno, o Roxy Music apresenta camadas de piano e guitarras pesadas. É possível ouvir no disco os clássicos "Street Life" e "A Song for Europe".

Finalmente o álbum recebeu uma recepção mais calorosa do que seus dois antecessores nos Estados Unidos, apenas arrumando o palco para abrir caminho ao álbum de 1974, Country Life. O álbum trazia em sua capa duas modelos vestidas com lingerie semitransparentes – a capa foi banida em diversos mercados e foi prontamente trocada por uma foto de uma floresta dos Estados Unidos. Country Life foi o quarto álbum da banda a atingir o top ten britânico e também atingiu o top 40 nos Estados Unidos. Muitos o consideram o melhor álbum da banda, que não foge do estilo de Stranded. Sempre mesclando estilos opostos de diferentes segmentos musicais assim como no álbum de 1973.

Logo após seguirem em uma turnê com seu novo baixista, John Wetton, o grupo gravou Siren. O álbum tinha a participação de seu primeiro top 40 hit, o clássico estilo disco "Love is the Drug". O álbum atingiu novamente o top ten britânico e nos Estados Unidos não foi além do top 50. Neste disco a banda abandona a mistura de art-rock e glam-pop e começa a se concentrar na figura suave, romântica e elegante de Ferry. Também merecem destaques as faixas "Sentimental Fool", "Both Ends Burning" e "Just another High".

Seguindo em turnê do álbum Siren, os membros da banda iniciaram trabalhos solo. Manzanera formou um grupo de prog-rock chamado 801, Mackay e Ferry continuaram a gravar álbuns solo. No verão de 1976 a banda anuncia que esta temporariamente fora de operações. Logo após o anuncio do hiato do grupo, é lançado o disco ao vivo Viva Roxy Music!.

O Roxy Music se reagrupou no outono de 1978 depois de gastar 18 meses em projetos solo. Ferry, Manzanera, Mackay e Thompson se juntaram a Paul Carrack (tecladista membro formador do Ace) e contrataram Gary Tibbs (formador do Vibrators) e Alan Spenner (ex Kokomo) como baixistas de estúdio.

Jobson e Wetton, que foram descartados para esta nova reunião, formaram o UK. No esforço da volta do Roxy Music, Manifesto foi lançado na primavera de 1979. É possível ouvir neste álbum muitas pitadas de disco e soul-pop, estilos estes que eram comercialmente diferentes e mais acessíveis do que os estilos trazidos nos discos anteriores. Desta forma, Manifesto confirmou a grande popularidade da banda mais uma vez alcançando o top ten britânico e a mais alta colocação nos Estados Unidos até então, atingindo o número 23 nas paradas com o single "Dance Away".

Mais do que nunca, o Roxy Music soou como uma banda de fundo de Bryan Ferry, abandonando seu estilo marcante inicial e se aprofundando na disco music que invadia as rádios nos anos 70. Destaque também para a faixa "Angel Eyes".

O Roxy Music realizou uma turnê mundial contando com Carrack e Tibs. Antes de a turnê começar, Thompson deixou a banda após quebrar o dedo num acidente de moto. O disco seguinte, Flesh + Blood, foi gravado apenas por Ferry, Manzanera e Mackay, e uma grande folha de músicos de estúdio. Foi lançado no verão de 1980 e se tornou o segundo álbum do Roxy Music a alcançar o topo das paradas na Inglaterra com a força do single "Over You". Nos Estados Unidos, o álbum alcançou o top 40.

Talvez seja este o pior disco do Roxy Music, é mais manhoso do que o seu antecessor. Bastante soulpop, apresenta faixas boas como "Over You" e "Oh Yeah". Entretanto, o álbum traz também faixas fracas e demonstra uma falta de imaginação e criatividade da banda, sugerindo que Flesh + Blood é apenas um esforço menor da carreira solo de Bryan Ferry.

Em 1981, a banda realizou um cover de "Jealous Guy" como um tributo a John Lennon, e se tornou o único single a atingir o topo das paradas na Inglaterra.

O Roxy Music retornou cerca de dois anos após o lançamento de Flesh + Blood, no verão de 1982 com o álbum Avalon. O álbum marca um novo padrão de produção e uma grande sofisticação musical. O seu antecessor, Flesh + Blood havia sugerido que o Roxy Music estava fora de si, porém com o admirável disco Avalon o Roxy Music recuperava o prestígio. Musicalmente ele é muito distante do estilo dos discos primários, trazendo marés românticas de sintetizadores de Bryan Ferry. O álbum soa como um new romantic e também como um synth pop em sua maturidade, uma vez que Ferry jamais tinha aparecido tão romântico, seja em sua carreira solo ou com o Roxy Music. "More Than This" foi o hit de maior sucesso, sendo gravado posteriormente por diversos artistas como Norah Jones e 10,000 Maniacs.

Avalon é o maior álbum do Roxy Music, em termos de sucesso e talvez de vendagem. Ele permaneceu três semanas no topo das paradas britânicas e atingiu a colocação 27 nas paradas norteamericanas, gerando os grandes hits "While my heart still beating" e "Take a Chance with me". Tornou-se o único álbum a ganhar o disco de ouro nos Estados Unidos, e com o tempo, ganhou também um disco de platina. Seguindo uma turnê de enorme sucesso do disco Avalon, o grupo lançou o EP Musique/The High Road na primavera de 1983. A turnê de Avalon colocou um fim nas atividades do Roxy Music como uma banda. Ferry começou a se concentrar apenas em sua carreira solo, iniciando-se em 1985 com o disco Boys and Girls. Manzanera e Mackay formaram uma banda chamada The Explorers, em 1985, além de patrocinar diversas carreiras pelos próximos anos que se passaram. Uma compilação foi lançada, chamada Street Life: 20 Great Hits, na qual também apresenta músicas da carreira solo de Ferry, em 1989. Um ano depois, Heart Still Beating, gravado na França, um álbum ao vivo documentando um concerto de 1982, foi lançado.

Dez anos depois é lançado em compacto o disco Valentine, gravado em um show para a TV alemã nos anos 70 chamado MusikLaden. Apesar de conter apenas 6 músicas, o disco é uma ótima opção, pois apresenta boas versões ao vivo para "Do the Strand", "Street Life" e "In Every dream home a heartache". Um ano depois, em 2001, é lançado mais um compacto ao vivo. Desta vez duplo, Concerto traz um show gravado em 1979 em Denver.

Uma reunião da banda, cerca de 30 anos depois de seu início, proporcionou o disco Live (2003). Também duplo, o disco contém o material gravado durante a turnê, e o material gravado é de grande qualidade.

Não cansados de lançar discos ao vivo, Viva Roxy Music! The Live Roxy Music Album foi lançado com os rumores de que a banda terminaria novamente. Este álbum traz gravações de concertos em Glasgow (1973), Newcastle (1974) e Wembley (1975) – nenhuma delas, claro, conta com a participação de Brian Eno. Hoje a banda planeja um novo álbum mesmo depois de tanto tempo. Ferry e Eno chegaram a se tolerar e trabalharam juntos durante os anos 80. Hoje até mesmo Ferry diz que seria interessante uma participação de alguma forma do músico Brian Eno neste disco que ainda nem está sendo produzido. Fato já consumado em um novo disco de Ferry, onde Brian Eno participa na composição de uma música e toca em uma outra.

Eno tem diversos trabalhos lançados no mercado, assim como Ferry. E dentre as inúmeras produções de Eno, estão, por exemplo, os álbuns mais respeitados do U2 e do Talking Heads.

1972 - Roxy Music download

1973 - For Your Pleasure download

1973 - Strandeddownload

1974 - Country Life download

1975 - Siren download

1976 - Viva!download

1979 - Manifesto download

1980 - Flesh and Blood download

1982 - Avalon download

2003 - 2001 World Tour Livedownload parte 1
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Grande abraço a todos!

Roubaram (e muito) do São Paulo... mas não vai ficar assim.

Saudações aos torcedores do Ipatinga/MG! (que sova!)

The New Yardbirds

2008-01-23T13:08:00.000-08:00

Ahhhhhh.... acharam que eu ia esquecer desse???

1968 - London Blues
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tem senha.

Abraço a todos!

Annie Haslam

2008-01-21T05:04:00.000-08:00

Essa maravilhosa mulher dona de uma voz ímpar dispensa maiores comentários.

Destaque para o álbum One Enchanted Evening onde interpreta músicas do Tom Jobim.

Sinceras desculpas pelo sumiço dos álbuns do Renaissance... parece brincadeira... ficaram menos de uma semana no ar. Vou upá-los de novo em breve.

1977 - Annie in Wonderland download

1985 - Still Life download

1989 - Annie Haslam download

1994 - Blessing in Disguise download

1998 - Live Under Brazillian Skiesdownload parte 1
download parte 2

1999 - The Dawn of Anandadownload

2000 - One Enchanted Evening

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senha para todos os álbuns: lagrimapsicodelica

PROCURA-SE DESESPERADAMENTE!!!
Por favor... se alguma boa alma tiver esses álbuns e puder disponibilizá-los...
Ficaria imensamente grato.

1997 - Live Studio Concert

2000 - It Snows in Heaven Too

2007 - Woman Transcending

Grande abraço a todos!

Bachman-Turner Overdrive

2007-12-18T03:41:00.000-08:00

1973 - Bachman-Turner Overdrive
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1973 - Bachman-Turner Overdrive II
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download parte 2

1974 - Not Fragile
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1975 - Four Wheel Drive
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1975 - Head On
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1977 - Freeways
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1978 - Street Action
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1984 - Bachman-Turner Overdrive
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1996 - Trial by Fire
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Senha para todos os álbuns: lagrimapsicodelica

Rory Gallagher - Discografia

2007-12-10T11:44:00.000-08:00

Atendendo a pedidos III

Rory Gallagher nasceu em Balley Shannon, na Irlanda, em 2 de Março de 1949. Desde cedo divertia os amigos com uma pequena guitarra de plástico, fazendo imitações de Roy Rogers e Gene Autry. Apesar de ter sido criado em Cork, uma pequena cidade na costa leste da Irlanda, Rory estava sempre atento aos blueseiros americanos, que ele considerava os verdadeiros pais da música contemporânea. Em uma entrevista ele declarou: "Mesmo que você não goste do gênero, é preciso ouvir muito blues para se ter consciência de quanto tempo é necessário até se chegar a ser um grande guitarrista. Eles é que entendem do riscado". E foi nessa escola de ouvido que se formou esse músico. Sua primeira guitarra foi comprada aos nove anos. Aos 15, após passar por vários grupos formados por colegas, Rory foi convidado a se juntar à "Fontana Show Band". Não era exatamente o estilo de música que ele queria, mas já era um começo. Mais tarde, a "Fontana Show Band" foi rebatizada "The Impact", e chegou a obter muito sucesso na Europa, tocando músicas de Chuck Berry. Rory achou tudo muito divertido, mas dizia na verdade ser influenciado por artistas que tinham garra e fogo interior, citando Leadbelly, Big Bill Broonzy, Woodie Guthrie, Johnny Winter, e John Hammond (considerado por Rory como o melhor intérprete branco de blues).

Em 1965, depois da dissolução do "Impact", Rory Gallagher tenta mais uma vez formar um grupo que tocasse o que sempre quis: rock`n`roll em cima das raízes blues. No ano seguinte forma o "Taste", junto com Norman Damery e Eric Kitteringhan, depois substituídos pelo baixista Charlie Macraker e o baterista John Wilson. O "Taste" se firmou como banda e, junto com Hendrix e Cream, foi um dos pioneiros do heavy-rock, da violenta amplificação de clássicos do blues rural como Sugar Mama (uma das preferidas de Rory). O grupo se firmou em Londres e fez vários shows na Irlanda e Alemanha. O Taste gravou apenas dois LPs: Taste e On The Boards. Com a dissolução do grupo, Gallagher partiu para a carreira solo. Convidou o baterista também irlandês Wilgar Campbell e o baixista Gerry McAvoy. O trio excursionou pelos Estados Unidos, e em 1971 Rory gravou seu primeiro LP solo, chamado Rory Gallagher. Ainda esse ano, Rory lança Deuce. No ano seguinte foi lançado Rory Gallagher Live in Europe, feito com as gravações das excurções do trio pela Europa. Este disco estorou nas paradas americanas e européias, consagrando o nome de Rory Gallagher como um dos grandes guitarristas de rock.

Em 72, a formação do grupo foi alterada com a inclusão do pianista Lou Martin. No ano seguinte, grava Blue Print e Tattoo. Depois veio Irish Tour `74; Against The Grain em 75; Calling Card 76 e Photo Finish em 78; Top Priority em 79; Stage Struck em 80; Jinx em 82; Defender em 88; e Fresh Evidence também em 88. Rory Gallagher morreu em Junho de 1995 em decorrência de complicações após uma cirurgia para transplante hepático. Certa vez disse: "Quando estou ouvindo música, gosto de ser arrancado da cadeira e ser jogado pelos quatro cantos da sala. Eu gosto de garra, pique, o que pode ocorrer com músicas lentas também. Não existe essa história de autenticidade em música, se ela é bem tocada e o sentimento sincero, a música é boa".

Peter Gabriel

2007-12-06T04:44:00.000-08:00

Peter Gabriel (13 de fevereiro de 1950, Chobham, Surrey, Inglaterra) é um músico do Reino Unido, um dos artistas representantes da World Music, assim como um dos seus principais incentivadores. Apesar disso, sua carreira está intimamente relacionada ao pop. Tornou-se famoso por ser o vocalista, flautista e líder da banda de rock progressivo Genesis, partindo posteriormente para uma bem sucedida carreira solo. Peter também é envolvido em diversas causas humanitárias.

Gabriel recusou entitular seus quatro primeiro álbuns solo (todos são chamados Peter Gabriel, com somente a arte da capa diferente), já que gostaria que eles fossem considerados o mesmo trabalho; posteriormente foram diferenciados através de uma numeração e pelo conteúdo da capa, na ordem I - Car, II - Scratch, III - Melt e IV - Security. Para os outros álbuns Peter continuou usando títulos curtos, como So, Us e Up. Os quatro primeiro álbuns foram produzidos entre 1976 e 1977 com o produtor Bob Ezrin. Seu primeiro sucesso foi o compacto "Solsbury Hill", uma peça auto-biográfica expressando seus pensamentos ao sair do Genesis. Gabriel trabalhou com o guitarrista Robert Fripp (do King Crimson) como produtor em seu segundo LP solo, de 1978. Esse álbum era mais obscuro e experimental, e não trouxe hits.

O terceiro álbum, lançado em 1980, trouxe a colaboração com Steve Lillywhite, que também produziu os primeiros álbuns do U2. É notável pelos compactos "Games Without Frontiers" e "Biko" pelo novo interesse de Gabriel pela world music (especialmente na percussão), e pela grande produção, que fez uso extenso de truques de gravação e efeitos de som.

Sessões de gravação entre 1981 e 1982 com o produtor David Lord acabaram resultando no quarto LP, Security, cuja produção teve mais responsabilidade do cantor. Apesar do som peculiar e dos temas motivados pelo distúrbio, o álbum foi bem sucedido e teve um compacto de sucesso, "Shock the Monkey", que também tornou-se um videoclipe inovador.

Gabriel realizou turnês para cada um dos álbuns, continuando as apresentações dramáticas da época do Genesis, envolvendo preparações no palco, faces distorcidas por espelhos e maquilagem não usual. Para uma das turnês, toda sua banda raspou a cabeça. A turnê de 1982 e 1983 incluía uma sessão de abertura com David Bowie, confundido por alguns com Gabriel pela maquilagem, sobrepondo Bowie no auge de sua popularidade. As gravações dessa turnê foram lançadas com o álbum ao vivo Plays Live.

Apesar de sucesso comercial e com a crítica nos álbuns anteriores, sua maior popularidade foi atingida em 1986 com So, com canções como "Sledgehammer", "Big Time" e "In Your Eyes". O álbum foi co-produzido por Daniel Lanois, também conhecido por seu trabalho no U2.

A canção "Sledgehammer" foi acompanhada por um videoclipe inovador, que ganhou diversos prêmios no MTV Music Video Awards de 1987, e estabeleceu um novo padrão para a arte na indústria de videoclipes. O mesmo aconteceu para "Big Time", um videoclipe feito em animação com diversos efeitos especiais. Peter apoiou bastante a Anistia Internacional nessa época. "Sledgehammer" também apareceu na trilha internacional da novela Roda de Fogo em 1986.

Em 1989 o cantor lançou Passion, a trilha sonora do filme de Martin Scorsese The Last Temptation of Christ. Muitos consideraram o álbum como o auge de seu trabalho na world music, e com esse álbum Gabriel ganhou seu primeiro Grammy.

Em seguida foi lançado Us in (1992) (também co-produzido por Daniel Lanois), um álbum no qual foi explorado problemas pessoais recentes; seu fracasso no primeiro casamente, se relacionamento com a atriz Rosanna Arquette e a crescente distância com a primeira filha. A introspecção de Gabriel nesse álbum pode ser vista no videoclipe do primeiro compacto, "Digging in the Dirt", com o artista coberto de minhocas. Seus problemas com a filha foram explorados em "Come Talk To Me", que tinha vocal de apoio por Sinéad O'Connor. O'Connor também cantou em "Blood of Eden", o terceiro compacto do álbum. Logo após foi lançado o CD duplo Secret World Live (1994). Gabriel ganhou outros três Grammys por seus videoclipes.

Após uma grande parada para outros projetos, Gabriel lançou OVO em 2000 e Long Walk Home, trilha sonora para o filme Rabbit-Proof Fence que ganhou o Globo de Ouro. Em setembro de 2002 foi lançado Up, seu primeiro álbum de estúdio na década, produzido por ele próprio e com menos sucesso comercial.

1977 - Idownload

1978 - II download

1980 - III download

1982 - IV download

1983 - Plays Livedownload

1985 - Birdydownload

1986 - So download

1989 - Passion download

1992 - Us download

2000 - Ovo download

2002 - Updownload

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Biografia obtida no Wikipedia.org

Ozzy Osbourne - Discografia

2007-12-05T03:01:00.000-08:00

Bom Dia!

Como vi que 90% dos links estão fora do ar... eis aqui novos links.

Espero que gostem.

1980 - Blizzard of Ozz
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1981 - Diary of a Madman
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1982 - Speak of the Devil
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1983 - Bark at the Moon
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1986 - The Ultimate Sin
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1987 - Randy Rhoads Tribute
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1988 - No Rest for the Wicked
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1990 - Just Say Ozzy
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1991 - No More Tears
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1993 - Live and Loud
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1995 - Ozzmosis
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1997 - The Ozzman Cometh
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2001 - Down to Earth
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2002 - Live at Budokan
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2005 - Princess of the Darkness
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2005 - Under Cover
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2007 - Black Rain
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de brinde:
2001 - Ozzfest Second Millenium
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Abraços!

Smashing Pumpkins - Discografia

2007-12-03T04:08:00.000-08:00

O The Smashing Pumpkins é uma banda formada em Chicago em 1988 pelos guitarristas Billy Corgan e James Iha, e que teve seu ápice em meados da década de 1990 com o lançamento do álbum Mellon Collie and the Infinite Sadness, em 1995, se tornando um dos álbuns duplos mais vendidos da história.

Menos influenciados pelo punk rock que outras bandas contemporâneas, a banda era baseada em sons pesados de guitarra, contendo elementos de gothic rock, heavy metal, música psicadélica, rock progressivo, pós-punk e, posteriormente, música eletrônica.

O grupo separou-se em 2000, devido principalmente a disputas internas, ao consumo de drogas e às baixas vendas de álbuns, mas reformou-se em 2006 com dois dos membros originais, Corgan e Jimmy Chamberlin, aos quais se juntaram Jeff Schroeder (guitarra), Ginger Reyes (baixo) e Lisa Harriton (teclado).

História:

Nos primeiros shows a banda tinha duas guitarras, um baixo e uma bateria eletrônica. A baixista D'arcy Wretzky foi convidada a se juntar à banda em meio a uma discussão sobre a banda Dan Reed Network. Esta formação não durou muito tempo, com o baterista Jimmy Chamberlin se juntando à banda ainda em 1988.

O primeiro disco foi lançado em 1991, Gish. Trazia brilhantismo nas composições mas, por ter sido lançado por uma gravadora não tão expressiva, não foi muito reconhecido.

Em 1993 é então lançado o que muitos fãs classificam como a obra-prima da banda. Siamese Dream é a trilha sonora da vida de muita gente. A banda carregou no peso dos instrumentos e as composições (entre elas "Cherub Rock", "Disarm" e "Soma") são inspiradíssimas. Há quem diga que Billy Corgan gravou todas as guitarras e os baixos para garantir que seu perfeccionismo fosse alcançado.

1995 é o ano de Mellon Collie and the Infinite Sadness, um dos álbuns duplos mais vendidos da história, considerado um dos melhores discos dos anos 90, e com produção do consagrado Flood (U2, The Killers). "Zero", "1979", "Tonight, Tonight"... Uma sucessão de hits e uma longa e bem sucedida tounée. Mas nem tudo eram flores... A tournée foi um sucesso, mesmo após o afastamento do baterista devido ao seu problema com drogas. Em uma noite em um hotel em Nova Iorque, ele e o tecladista contratado Johnathan Melvoin usaram heroína e depois de uma overdose, Melvoin morre.

Entretanto, este fato abalou a banda. O afastamento do grande amigo afetou Billy Corgan e a banda, e este abalo refletiu em Adore. Lançado em 1998, o disco não obteve o mesmo sucesso de seus antecessores, apesar de ser também uma obra maravilhosa, onde os temas soturnos da existência são explorados com extremo cuidado, tanto nas melodias quanto nas letras. Além do afastamento de Jimmy Chamberlin, que, neste ponto estava em uma clínica de reabilitação para viciados em drogas, a mãe do vocalista e líder da banda é diagnosticada com câncer, o que afetou definitivamente o ambiente da banda, gerando este apelo depressivo.

1999 é o ano do retorno triunfal da banda como ela se consagrou. A Arising! Tour marca o retorno de Jimmy Chamberlin às baquetas, os clássicos da banda voltam a ser executados nos shows (durante a tournée do Adore 90% do setlist era composto de músicas deste álbum). As novas músicas, a serem lançadas no próximo disco eram apresentadas ao público, que aguardava ansiosamente pelo retorno da formação clássica.

Em 2000, é lançado Machina/the Machines of God. Com muitas inovações nas composições, é um disco que reúne grandes músicas, com algum toque de experimentalismo. Entretanto, é um disco que só conquistou os verdadeiros fãs, coisa que vinha acontecendo desde Adore. Sem nenhum apelo comercial, Machina não foi o sucesso de vendas de outrora, mas é um disco maravilhoso. Desde o encarte à última música, passando pela produção dos shows. Tudo era primoroso.

Mas, para tristeza dos fãs, a saída da baixista D'arcy antes do início da turnê e o anúncio de Billy Corgan que este era o último disco da banda e, consequentemente, os últimos shows, as últimas linhas de uma das maiores bandas de rock da história estavam sendo escritas. Em 2 de dezembro de 2000, os Smashing Pumpkins fazem sua apresentação final, no mesmo local onde iniciaram sua carreira: o Cabaret Metro, em Chicago.

Como forma de agradecer aos fãs, uma última música foi lançada. Untitled é dedicada à todos os que, nesses 13 anos, estiveram ao lado da banda. Ainda, lançado apenas pela internet, Machina II/The Friends and Enemies Of Modern Music é o último album gravado em estúdio.

Em 2006, Billy Corgan anunciou a volta do Smashing Pumpkins. Sem James Ilha e sem D´arcy, e com os novos elementos Ginger Reyes (como baixista) e Jeff Schroeder (como guitarrista) a banda lançou Zeitgeist no dia 10 de Julho de 2007.

1991 - Gish
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1993 - Siamese Dream
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1994 - 100% Pure Acoustic Performances [bootleg]
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1994 - Halloween Party [bootleg]
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1994 - Pisces Iscariot
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1995 - Mellon Collie and the Infinite Sadness
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1996 - 1979 [single]
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1996 - Bullet With Butterfly Wings [single]
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1996 - Thirty-Three [single]
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1996 - Tonight, Tonight [single]
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1996 - Zero [single]
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1998 - Adore
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1999 - Live In Washington D.C [bootleg]
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2000 - Machina - The Machines of God
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2000 - Machina II
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2001 - Greatest Hits
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2007 - Zeitgeist

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Espero que gostem.

Abraços!

Biografia obtida no Wikipedia.org

Iron Maiden - A Tribute to the Beast Vol 2

2007-11-29T12:19:00.000-08:00

Bom... eu particularmente não gosto de tributos.
Em primeiro lugar, porque quase sempre é feito por bandas ridículas e sem expressão.
Em segundo lugar, a maioria das bandas FODE a música...
Esse álbum é uma das exceções.
Se eu fosse o Steve Harris, ficava com esse álbum a tira-colo como curriculum de vocalistas para convidar na próxima saída do Bruce Dickinson.
Destaque para as músicas: Hallowed be thy Name (com o Matt Barlow arregaçando o mundo... mostrando pro Bruce como é que faz), Killers (com o Destruction. Simplesmente fenomenal), Wasted Years e Revelations com o Therion. O resto é faixa-bonus.

Killers - Destruction
Trooper - Sentenced
2 Minutes to Midnight - Primal Fear
Wasted Years - Thunderstone
Wrathchild - Stuck Mojo, Devin Townsend
Remember Tomorrow - Anthrax
Iron Maiden - Tankard
Moonchild - Necrophobic
Strange World - Mägo de Oz
Déjà Vu - Wolf
Sanctuary - Mystic Prophecy
Fear of the Dark - Graveworm
Revelations [Live] - Therion
Hallowed Be Thy Name - Iced Earth

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Death - Discografia

2007-11-20T05:27:00.001-08:00

Atendendo a pedidos II.

A morte é uma força inevitável; é algo que os seres humanos temem ao máximo e procuram escapar alongando sua chegada tanto quanto conseguirem. Mas "morte" também é o nome em português da banda de Chuck Schuldiner – Death – iniciada com o nome de Mantas, em 1983.

Surgindo das entranhas da música conhecida como heavy metal, o Death tem, desde sua inserção no cenário, ousado confrontar os limites daqueles pensamentos do qual as pessoas passaram a vida inteira fugindo. Numa jornada destinada a criar um som que encorpasse gritos de descontentamento vigorosos e criatividade, a banda se desenvolveu como um grupo construído numa visão expressiva e única do mundo. Esta expressão nunca cessou de carregar um forte domínio numa forma de arte musical experimental, apesar de extremamente violenta. Nessa banda havia agressividade, sim, mas também uma sincera batalha e imaginação que a distinguia de outras atitudes de brutalidade ridículas sem razão ou imagem cega baseada em uma quantidade de criatividade zero ou outras bandas que seguiam modas e coisas do tipo. Enquanto estas outras bandas estavam ocupadas reciclando o mesmo clichê comercial de músicas sobre carros rápidos e o amor mais rápido (ou luxúria!), ignorando as mórbidas questões de existência que se escondem em cada mente humana, o Death abraçou o lado mais obscuro. No processo, Chuck Schuldiner foi responsável não só por ajudar a criar o campo do thrash e death dos USA, mas também a levar estes campos ao seus limites enquanto os mais perspicazes se conscientizavam da tradição passada e falha.

Esse modelo possui outros parecidos, que podem ser vistos virtualmente em cada outro setor da arte, especialmente na literatura, onde autores como H. P. Lovecraft usaram a pitoresca tradição do velho mundo de Arthur Machen, Poe e William Hope Hodgson para galgar ainda mais alto os fronteiras do horror cósmico. Alguns críticos crêem que o metal não é uma música que valha a pena, ou que é uma variação de arte igual àquela da palavra escrita – mas é opinião deste escritor que o heavy metal em particular, tirando todas as outras formas de música, é muito mais que apenas uma forma de arte. O Metal é uma arte desprezada, simplesmente como Lovecraft é um autor academicamente ignorado. O encadeamento entre Schuldiner, Death e Lovecraft está nas suas inflexibilidades frente à comercialidade, e suas motivações interiores no assunto criação.

Em 1983, na Flórida, uma banda de nome Mantas nascia da mente do garoto de apenas 15 anos chamado Chuck Schuldiner. A banda consistia em três garotos amigos de colégio: Kam Lee na bateria e vocais (!), e Rick Rozz e Chuck Schuldiner como guitarristas. A banda, então, neste mesmo ano, gravou uma demo intitulada "Death By Metal" de 4 faixas gravada na garagem da mãe de Chuck com um gravador de fitas do Rozz!! E, na mesma época, quatro outros estudantes do ensino médio da cidade de São Francisco, nos EUA, formavam o Possessed, com suas "cópias" suíças (em termos de mesmas idéias, por isso as aspas), e o Hellhammer (que mais tarde se tornaria o Celtic Frost) e o Venom, bem... estas quatro bandas estão entre os pioneiros da música mais pesada e rápida que já foi tocada. Algum tempo depois da primeira demo, a Mantas mudou seu nome para Death.

Em 1984, o Possessed, o Celtic Frost e algumas outras bandas tinham feito algumas demos e o death metal estava crescendo fortemente no underground. O Death Metal, entretanto – verdade seja dita – falhou no quesito que dizia respeito a grandes audiências ou em atrair muita atenção dos selos. Como o próprio Chuck Schuldiner colocou, a música e os músicos eram muito... maus para serem levados a sério. A demo do Possessed chegou até Brian Slagel, que, então, colocou a banda na coletânea "Metal Massacre Vol. 6" com a música "Swing Of The Axe". Eventualmente, isso levou o Possessed a assinar com a Combat Records. Infelizmente, entretanto, o Death continuava sem assinar com ninguém por alguns anos.

Em 1984, o Possessed lançou "Seven Churches", o histórico debute pela Combat. Um disco que foi realmente o primeiro do gênero a ser lançado, e veio a influenciar muita, muita gente. Com guitarras rápidas, agressivas e um vocal brutal, a gravação foi a reação crua do novo estilo de metal, uma forma precursora, que mais tarde seria aperfeiçoada por Chuck Schuldiner em "Scream Bloody Gore" e merecidamente categorizada em um gênero separado, estabelecido, agora chamado de Death Metal. Anos depois, numa entrevista, Chuck citou "Seven Churches" como uma das maiores influencias para o álbum de estréia do Death. Apesar de bom musicalmente, o deathmetal ainda não tem uma reputação tão boa. Uma conseqüência das imagens públicas mórbidas e negras, e letras mórbidas de bandas como Venom, Possessed, Hellhammer e outras, o death metal imediatamente se tornou notório pelo satanismo. A maioria das coisas que acontecia na Escandinávia não tinha nada a ver com a música, entretanto algumas pessoas muito "cultas" pregaram que a música estava sendo usava para promover o satanismo e anti-cristianismo.

Na cena da Flórida, as coisas eram totalmente diferentes. Haviam, sim, bandas na Flórida cujas letras falavam de satanismo, mas não na forma pregatória ou destrutiva; era mais por uma forma de entretenimento.

De qualquer modo, de volta ao Death, o trio lançou outra demo chamada "Reign of Terror" em outubro de 84, com 5 faixas, sendo que neste tempo os vocais já eram autoria de Mr. Schuldiner. Vale citar como curiosidade, que na demo "Reign of Terror", a primeira música "Corpse Grinder", foi usada numa versão muito mudada, vários anos depois pela banda Massacre, no álbum debute "From Beyond" de 1990.

A próxima demo veio em Março de 85, com o nome de "Infernal Death". No mesmo ano o Possessed retornou com seu segundo álbum, e a banda brasileira Sepultura estreava na cena death/black metal com o EP "Bestial Devastation". Dentre os que mais cedo começaram, infelizmente, o Sepultur nunca foi exatamente uma grande influência para o death metal em sua evolução com o passar dos anos, exceto para a cena brasileira. O fato é que o death metal crescia e o Death ainda não tinha uma gravadora.

O Death lançou mais algumas demos em 85. "Rigormortis", de maio, com uma única música intitulada "Unholy Grave"; "Slaughter", a demo seguinte com apenas uma música, novamente: "Fuck Of Death". E finalmente, a demo "Back From The Dead", de outubro 85, com 8 músicas: uma introdução que era tema de alguns apresentações de Alfred Hitchcock, a música "Back From The Dead", "Reign Of Death (Terror?)", "Beyond The Unholy Grave", "Baptized In Blood", "Legion Of Doom" e "Skill To Kill". Vale lembrar que parte da música "Legion Of Doom" foi eventualmente incorporada em "Spiritual Healing".

As demos, entretanto, foram seguidas à mudança de Chuck da Flórida para São Francisco, na Califórnia. Ele desejava fixar a banda por lá, mas os outros dois membros optaram por ficar na Flórida. Kam Lee e Rick Rozz então se juntaram a Terry Butler e Bill Andrews para formar a Massacre. Enquanto isso, na Califórnia, Chuck Schuldiner encontrou novos membros para sua banda em Chris Reifert e John Hand. Com Chris na bateria e John na guitarra base, Schuldiner ficou com os vocais e a outra guitarra. A banda, entretanto ainda precisava de um baixista. Chuck não se intimidou e tocou baixo ele mesmo em suas demos seguintes.

Uma demo gravada puramente de um ensaio do Death, em 28 de Março de 86, continha duas músicas: "Land Of No Return" e "Zombie Ritual". Mais tarde, o Death gravou a demo "Mutilation", que foi a decisiva para a banda, finalmente assinar com o selo Combat Recods.

O primeiro álbum de estúdio da banda, "Scream Bloody Gore" foi lançado em 1987 pela Combat Records, com quem tinham assinado, e tempestuou o underground. É verdade que álbuns pesados com vocais urrados ou aqueles processados por efeitos já tinham sido produzidos (e feitos) antes, mas não por uma banda dos EUA, com exceção feita ao Possessed. Quatro anos depois, na Suécia, o Bathory lançava seu primeiro disco, enquanto na Suíça, Thomas G. Warrior, outra figura influente nos anais do metal brutal, trazia "Apocalyptic Raids" do Hellhammer em 1984 – e mais tarde o primeiro "trampo" do Celtic Frost chamado "Emperor’s Return" abriu novas portas. 1985 foi o ano em que uma certa banda alemã, Kreator (originalmente chamada Tormentor), lançou "Endless Pain", cheio de vocais ‘high-pitched’ do frontline Mille Petrozza.

Antes de todas estas bandas, na cena britânica vinham os reis do black metal, Venom, que revolucionaram o som cru e rápido do metal com o primeiro disco, sugestivamente intitulado "Welcome to Hell", em 1981. O vocalista do Venom, Cronos, freqüentemente chegava perto do urrado, apesar de que seus vocais dificilmente eram carregados de efeitos.

A título de curiosidade, e bastante interessante, Mantas, o nome que o Death levava primeiramente, é também o nome teatral de palco do guitarra do Venom. Na verdade, todas estas bandas deviam alguma coisa aos riffs altamente ‘doomicos’ do Black Sabbath, que em 1970 surgiu com o heavy rock ao lançar o álbum auto-intitulado. Foi o guitarrista do B. Sabbath Tony Iommi que ensinou a nova geração, os inovadores do heavy metal, a abaixar a afinação, como em "Into The Void" e a maioria das outras músicas de "Master of Reality" e, aliás, de qualquer outro álbum do Sabbath. Abaixar a afinação alcançou um som mais pesado, que foi usado pra surrar a audiência nos shows. O Venom levou a tradição da baixa afinação do Sabbath com inclinação a usar a atmosfera abatida de diminutas e escalas harmônicas menores nas músicas – acelerando ainda mais o tempo e indo até o mais extremo em se tratando de letras influenciadas pelo ocultismo. O resultado do aumento da velocidade, mas não necessariamente guitarras com afinação mais grave, foi o nascimento do thrash metal no começo dos 80, que era mais caracterizado nesse ponto quase inteiramente por solos de guitarra que estavam cravados firmemente na velha pentatônica, favorecida não apenas pelo rock de arena comercial dos 70, como pela própria inserção do rock; um exemplo definitivo da nova energia no metal era o "Kill ‘em All" do Metallica (1983), onde o thrash norte-americano foi influencado pela NWOBHM (bandas como Blitzkrieg, Diamond Head, Witchfinder General, Holocaust, e Angel Witch – para não mencionar Iron Maiden). "Scream Bloody Gore" do Death apresentou aos ouvintes os vocais urrados de Schuldiner que, em vez de monótonos, variavam de alto a baixo – juntamente com harmônicas menores de guitarra em alta velocidade e tempos que variavam de doom a um ígneo andamento amofinado de um demônio.

Do começo, na antiga demo "Infernal Death", o Death foi uma banda que gritava berros de um desagrado jovem a uma sociedade mecanizada, questionando a hipocrisia no mundo. Encharcado da mesma brutalidade imaginária que um filme moderno de horror proporciona, "Scream Bloody Gore" não foi tanto como uma mensagem, mas mais como um uma jornada abarrotada de terror em que os leitores freqüentemente lêem em páginas de um livro de ficção ou numa tela de cinema para fugir às inanidades de uma existência rotineira.

Sem dúvida, as letras de "Scream Bloody Gore" freqüentemente assemelham-se a algo tirado de "Night of the Living Dead" ("A Noite Dos Mortos Vivos", em português), adaptado para a tela de cinema por John Russo e George Romero (e escrito em livro pelo próprio Russo) ou de "Dawn of the Dead" ("Crepúsculo dos Mortos"), de Romero. De fato, Schuldiner usou um pouco do horror Italiano, escrito e dirigido por Lucio Fulci como inspiração à músicas como "Regurgitated Guts". A canção faz referência a "The Gates of Hell" ("Os Portões do Inferno") de Fulci, enquanto "Zombie Ritual" definitivamente implica que Schuldiner viu algum zumbi por aí. Já a música "Beyond The Unholy Grave" fazem você ponderar se não há alguma relação para com The Beyond ("O Além"). Estes filmes compararam a sociedade a cadáveres zombificados andando por aí como autônomos com um propósito programado, e o alarido da banda em "Scream Bloody Gore" ofereceu um escape da monotonia das hordas bangers no underground. Transbordante em carnificina, Schuldiner tirou proveito do filme de horror italiano "Make them Die Slowly" (mais conhecido como "Cannibal Ferrox") para a gênesis de "Torn to Pieces", uma música que efetivamente encapsula uma estória sobre humanos "civilizados" para encontrar a verdadepor trás do canibalismo do filme. Não há duvidas de que o primeiro disco do Death trouxe consigo uma revolução; na mesma hora, muitas bandas tentaram copiar ou imitar o som único do grupo, mas o nível de musicalidade do Death, apesar de serem jovens, não poderia ser alcançado facilmente. Com os camaradas death-thrashers da Flórida, o Obituary (que no começo chamava-se X-ecutioner), o Atheist (no começo como R.A.V.A.G.E.) e o Sadus da Califórnia, o Death formou o ilustre exemplar do novo gênero death metal que se originava.

Onde Chuck Schuldiner havia se apresentado em "Scream Bloody Gore" como guitarra solo, no segundo álbum, "Leprosy" (Combat Records) de 88, ele se juntou a Rick Rozz (que pertencia à lineup original da Mantas), que na época estava na Massacre. O trabalho de guitarra solo de Schuldiner dominou o primeiro disco, com a guitarra base confiada a John Hand. Enquanto Rozz era um guitarra base adequado, seus solos se traduziam em mero mangual no tremolo, que significavam quae nada em comparação às barbaridades de Chuck Schuldiner. Outras mudanças na formação incluíam a adição de Terry Butler no baixo (preenchendo uma vaga antes vazia, já que Schuldiner tocara o instrumento em "Scream Bloody Gore") e Bill Andrews na bateria (o antigo baterista Chris Reifert saiu da banda pra formar seu próprio projeto death metal, o Autopsy). No departamento de escrita das letras, o "Leprosy" vangloriou-se de Ter tomado um passo a frante em imaginação e visão. A faixa título mostra semelhança com o filme "The Fog" de John Carpenter no qual uma colônia de leprosos à bordo de um veleiro são levados à morte quando pessoas em terra firme dão-lhes um falso sinal de luz. E a música "Pull the Plug" que sempre tinha sido uma das favoritas entre o público nos shows do Death, paira sobre a situação de alguém vivendo dolorosamente preso a um suporte vital e que deseja colocar um fim à sua angústia. "Leprosy" não mostrou sinal algum de abandono do Death à energia e atitude, além de trazer uma pitadela de uma produção mais limpa – cortesia da Morrisound Recording – além de um aumento no progresso musical.

Ainda em 1988, cinco bandas do selo Combat gravaram um vídeo ao vivo de suas respectivas apresentações no dia 23 de Outubro de mesmo ano, na casa de shows Trocadero Theatre na Filadélfia. O Death participou com duas músicas – "Open Casket" e "Choke On It" – que saíram na coletânea "Ultimate Revenge II", da Combat Records em 1989.

Entretanto, o ponto crucial, onde tecnicamente e musicalmente é concernido, veio ao Death no "Spiritual Healing" de 1989, uma vez mais pela Combat Records. Foi um disco que provou aos ouvintes que o Death não abriria mão de seus limites agressivos assim como os músicos se tornaram mais proficientes. "Spiritual Healing" mostra o trabalho de guitarra solo de James Murphy, que tocou em várias bandas, entretanto na época sua aparição mais recente tinha sido no Testament. A entrada de Murphy e saída de Rozz se mostrou sem dúvida proveitosa no som do Death. "Leprosy" se virou em direção às letras que cinicamente se dirigiam à sociedade, e "Spiritual Healing" disparou rajadas ainda mais massivas. Se, na opinião pública, o Death já era brutal em sua música ou métodos, ouvindo com ouvidos surdos, as letras de Schuldiner penetravam fundo no coração da hipocrisia na "meia America" onde pessoas agiam inumanamente todos os dias. "Living Monstrosity" abre o álbum com um conto de uma mulher grávida perdida em vício a cocaína, e mais tarde, deformações mórbidas no nascimento da criança. "Spiritual Healing", a faixa-título, é uma música que encorpora a visão que o Death tinha sobre o mundo: um nojo pela matança que vem ocorrendo desde o começo da história em nome da religião, uma desconfiança por qualquer fé religiosa que se mostra mente-fechada frente às crenças dos indivíduos que iam de contra o dogma. Assim como "Within the Mind", é um canto robusto à força de criatividade de cada um; as faixas "Defensive Personalities" e "Low Life" exploram a psique humana, uma área que o Death contempla freqüentemente. "Low Life", em particular, fala sobre pessoas que levam vantagem nos outros. Neste ponto, o grupo passou por uma mudança radical na formação; mas a banda se concentrou na visão pessoal e esforço de Chuck Schulndiner, que perseverou indo contra boatos infundados e suposições feitas por alguns jornalistas, músicos e o próprio público.

O próximo petardo vindicava Chuck Schuldiner aos olhos dos metalheads para quem a verdadeiras paixão era a própria música, mais do que falsas imagens. O lançamento de "Human" (já pela Relativity Records) em 1991 era evidência de que o Death poderia se agüentar e lidar com o surgimento de bandas de death metal. "Human" foi lançado durante um massacre de álbuns estrangeiros de death metal, mas uma vez mais, o grupo de Chuck Schuldiner provou que os pais do movimento poderia também ser os inovadores. Dois lançamentos em 91 estavam entre os maiores sucessos no meio – "Human" do Death e "Testimony of the Ancients" do Pestilence. Para as sessões de gravação do "Human", Chuck recrutou Sean Reinert (bateria) e Paul Masvidal (guitarra) da banda progressiva fusion/death da Flórida Cynic, assim como Steve DiGiorgio de Antioque, que estava no Sadus da Califórnia pro baixo. Estes três adicionaram uma habilidade musical ao Death que excedeu até "Spiritual Healing". Como o próprio Schuldiner diz no encarta em notas escritas por ele mesmo, "Isto é mais do que um álbum pra mim; é uma posição, é vingança." Nessa época, numa versão reformada mais nova da banda Massacre, com ex-colegas de bandas Lee, Butler, Andrews e Rozz lançaram um disco derivado intitulado "From Beyond", que não se comparava aos arranjos complexos e diversos do "Human" do Death. "Incomercial" como o Death sempre foi, finalmente apareceu uma oportunidade para a banda gravar um vídeo pra "Lack of Comprehension". Os fãs da banda sintonizaram o Heabanger’s Ball da MTV (programa de metal da MTV Européia que seria algo como o nosso "Fúria" na MTV), e foram enganados por uma falsa sensação de serenidade durante a limpa parte de introdução da música; entretanto, trinta segundos depois o ouvido era assaltado pela descarga poderosa do estilo pesado do Death. "Lack of Comprehension" abre a voz a todos os pensamentos presos que um músico de metal possivelmente teria frente às figuras autoritárias (tal como pais, responsáveis, professores, padres etc.) que usavam a música como escape para sua própria culpa quando vidas jovens eram postas em perigo ou perdidas. A instrumental "Cosmic Sea" não se parece com nada que o Death já tenha tocado, e abrange novas fronteiras, como o próprio título infere. Infere-se aí a participação especial do baixista Skott Carino na música. Em alguns países, lançamento contou com uma faixa bônus, a "God of Thunder", que apareceu numa coletânea de death metal feita pela RoadRunner chamada "At Death's Door II" mais tarde, em 1992. Para um entusiasta mais ‘progressivo’, "Human" é um álbum definitivo; mostrou onde as bases do metal pesado estavam fundadas.

Ainda em 92, a Relativity Recods lançou uma coletânea de algumas das melhores músicas do Death intitulada "Fate". A seleção das faixas foi feita por Kevin Sharp.

O "Human" foi seguido em 1993 pelo único álbum de estúdio do Cynic, "Focus", um disco que exalava um espectro de música neo-progressiva e fusão a um metal mais complexo. Enquanto isso, Chuck Schuldiner galgava adiante com rígida determinação em "Individual Thought Patterns", lançado pelo quinto selo inedependente do Death, Relativity. De uma das bandas que iniciaram o thrash junto com o Death, o Dark Angel, veio o Gene Hoglan para tomar o lugar do trono, junto com Andy LaRocque (que já tinha tocado com King Diamond, o mestre das trevas do power metal teatral) na Segunda guitarra solo, e novamente Steve DiGiorgie do Sadus no baixo. Uma vez mais, o Death fez um vídeo para "The Philosopher", uma música que sondou mais fundo as doenças da mente popular (para deixar claro, as pessoas que pensavam que sabiam de tudo). Aqueles que pensaram que tudo que se escondia atrás da banda death era simplesmente brutalidade tiveram uma surpresa. "Out of Torch" provou ser uma faca de dois gumes para aqueles cujo único propósito é o extremo, a força bruta.

Entra 1995, um ano quando a mídia se importava menos à música conhecida como heavy metal, quando a cria grunge e pseudo-punk de Seattle traíam o conceito inteiro do que o punk era no fim dos anos 70 – revolta, rebelião e a música onde não deveria haver estrelas de rock. Aqueles que presumiram que o heavy metal estava morto simplesmente porque a MTV não tinha mais o Headbanger’s ball ou incluía bandas true metal em sua programação – ou o fato de a KNAC de Los Angeles (pioneira em se tratando de rádio rock e metal nos EUA) Ter se tornado morta e o espaço ser ocupado por programações em espanhol – estavam afundados em ignorância. O Metal cresce e continua tempestuando o underground. E a nível de selo pequeno, em 19994, o Fates Warning lança "Inside Out", considerado por muitos, os pais do metal progressivo, e "Through the Darkest Hour", o terceiro álbum da banda doom metal do Texas, Solitude Aeturnus. A mídia teria se referido ao metal como uma onda que desapareceu nos anos 80, mas a sobrevivência de coração de bandas inteligentes preveniu o mundo de que isso acontecesse. Em maio de 95, "Symbolic" (Roadrunner Records) brilhou no underground. Seis álbuns e oito anos após a primeira tentativa de mostrar ao mundo seu trabalho, Chuck Schuldiner e o Death ainda não perderam o pique. "Symbolic" é uma porrada naqueles que acreditam que o heavy metal é música sem pensamentos/ideais. As letras variam de inocência perdida ("A high that cannot be bought or sold...") à perda de provacidade no mundo cada vez mais mecanizado. "Without Judgement" sardonicamente zombava do sistema judicial, e "Crystal Mountain" levanta a lâmina uma vez mais à crença cega na religião ("Inflicting wounds with your cross turned dagger"). "Perennial Quest" é a testemunha e capricho de um criativo artista, Chuck Schuldiner, que acredita que sua música – o heavy metal – seja uma verdadeira forma de arte. Ao contrário da opinião de muitos, MORTE é arte!

Logo após a tour de "Symbolic", o Death novamente perdeu membros. Muito desapontado, Chuck Schuldiner optou por colocar o Death de lado e se dedicar a um projeto paralelo chamado Control Denied. Isso fez com que a opinião de muitos fosse que o legado do Death tinha chegado ao fim. Em meados de 96, o Control Denied lança sua primeira demo tape, que tinha Chuck como vocalista. Na verdade, Schuldiner, preferia que Warrel Dane (Nevermore) ou James Rivera (da boa banda heavy metal Helstar) fizessem os vocais no Control Denied, contudo até certa época pareceu que quem ia tomar o lugar de Chuck ao microfone seria Tim Aymar (Psycho Scream). O Control Denied não tinha vocais death metal. Apesar de soar um pouco como o estilo do metal europeu, o Control Denied era bastante técnico. A banda estreou com "A Moment of Clarity" no começo de 97. Contudo, a banda chegou a seu fim, quando, em Junho, Chuck Schuldiner decidiu finalizar o projeto e retornar ao Death.

Foi assim que em 98, três anos depois de "Symbolic", o Death volta arregaçador com seu novo petardo (finalmente!) – "The Sound of Perseverance". A batera do genial Gene Hoglan era agora encarregada de um dos caras mais rápidos e técnicos que existem no "mercado de bateristas do metal". Seu nome é Richard Christy (Burning Inside & Acheron ) e, verdade seja dita, o cara deu conta do recado. Shannon Hamm (do projeto de Chuck Schuldiner, Control Denied) nas guitarras, Scott Clendenin no baixo. A line up está formada, e 8 faixas são gravadas e mixadas ao bom estilo death. Produzido por Jim Morris e co-produzido pelo próprio Chuck Schuldiner, o disco é uma verdadeira obra de arte. "Scavenger of Human Sorrow", "Bite the Pain" e "Story To Tell" são três bons exemplos do poderoso Death que voltou arregaçando a manga e mostrando como se faz um death metal pra valer. Uma surpresa pros velhos bangers de plantão está na nona e última faixa do disco, apetitosamente intitulada de "Painkiller". Pois é. Depois da banda paulista de heavy metal melódico Angra ter lançado a mesma música em seu single "Freedom Call", à moda heavy metal, é a vez de uma versão death metal ser mostrada ao mundo. Agressivo como só Schuldiner sabe ser, não deixa por menos os riffs apoteóticos de um dos mais famosos hinos do metal, e, faz bem-feito.

Em 1999 foi diagnosticado que Chuck Schuldiner era portador de um tumor no cérebro. Muitos fãs ao redor do mundo passaram a temer o pior; neste meio tempo, foram promovidas várias campanhas, com o intuito de levantar fundos para custear o tratamento caríssimo ao qual o músico se submetera, e que com certeza, pelo menos ajudaram a alongar um pouco mais sua vida. Um cd ao vivo do Death, gravado em 1998, "Live In Eindhoven", chegou a ser lançado pela Nuclear Blast para arrecadar fundos. Infelizmente no caso de Chuck, o inevitável veio prematuramente, quando ele contava com apenas 33 anos de idade.

É certo que muitas pessoas nascidas nos anos 80 (que não viveram a época) ou que não sejam admiradoras de Metal Extremo desconhecem a sua importância, mas Chuck foi um verdadeiro mestre, que ao contrário de muitos, nunca renegou suas raízes, se mantendo fiel aos seus princípios até o fim, nos brindando com clássicos que permanecerão eternos, pois sua arte jamais será esquecida.

"A simbólica e frágil arte da existência nada mais é que o som da perseverança."
(Chuck Schuldiner)

Em memória de Schuldiner, fãs desenvolveram um site: http://www.emptywords.org

Também em sua homenagem foi criada a comunidade do Orkut "Let The Metal Flow", cujo nome vem de uma frase do próprio Chuck, a comunidade homenageia não só o Death, mas todos os trabalhos do Mestre Schuldiner, como o Mantas, o Voodoo Cult e o Control Denied, fazendo com que ele jamais seja esquecido, fazendo com que sua musica esteja sempre estourando alguma caixa de som em qualquer parte do mundo.

1987 - Scream Bloody Gore download

1988 - Leprosy download

1990 - Spiritual Healing download

1991 - Human download

1993 - Individual Thought Patterns download

1995 - Symbolic download

1998 - The Sound of Perseverance download

2004 - Zero Tolerance
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Vídeos:
Rehearsal 1991 - Chuck Schuldiner - Steve DiGiorgio - Paul Masvidal and Sean Reinert
http://www.badongo.com/vid/532953/1

Live Santiago-Chile 1998
http://www.badongo.com/vid/532909/1

Tribute
http://www.badongo.com/vid/532922/1

Resolvi postar apenas os álbuns de estúdio... nada de ao vivo, coletâneas e/ou bootlegs.

Desculpem-me pela empolgação... sei que o post ficou grande... mas não consegui me conter... Só quem conhece a banda há muito tempo sabe o que eu to falando... e essa biografia foi a mais bem escrita (além de completíssima) que achei.

Aviso aos navegantes: SOM ESTRITAMENTE PARA OUVIDOS TREINADOS.
Tem gente que ama... tem gente que odeia. Não há como ser meio termo.

Abraço a todos!

Discografia surrupiada sem nenhum pudor do Whiplash.net

Black Sabbath - The Ray Gillen Years

2007-11-19T07:34:00.000-08:00

1996 - The Ray Gillen Years [bootleg]
download parte 1

download parte 2

Esse é um dos poucos registros com o saudoso Ray Gillen (não confundam com o Ian Gillan).

Foi lançado em 1996 com registro de shows/demos gravados em 1986 e 1987.

Essa é a versão alemã do bootleg.

Espero que gostem.

senha: lagrimapsicodelica

Roger Hodgson .... repost

2007-11-14T16:49:00.001-08:00

Quem não lembra do ex-vocalista principal do Supertramp???

1984 - In the Eye of the Stormdownload

1987 - Hai Haidownload

1997 - Rites of Passagedownload

2000 - Open The Doordownload

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Taste

2007-11-14T10:12:00.001-08:00

Atendendo a pedidos.

1969 - Tastedownload parte 1
download parte 2

1970 - On The Boardsdownload parte 1
download parte 2

1971 - Live at the Isle of Wightdownload parte 1
download parte 2

1971 - Live Tastedownload parte 1
download parte 2

1974 - Take It Easy Babydownload parte 1
download parte 2

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Amon Düül 1 - Discografia

2007-11-07T16:10:00.000-08:00

Postagem principal, com biografia e tudo by Delta9 AQUI
Aproveito aqui o link do 1o disco. Complemento com o restante.
Espero que gostem.

1969 - Psychedelic Underground download

1969 - Collapsing/Singvögel Rückwärts & Co.download

1970 - Para Dieswärts Düül download

1973 - Disaster - Lüüd Noma download

1983 - Experimente download parte 1
download parte 2

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Abraços!

em breve Amon Düül II

Iron Maiden - Discografia

2007-10-31T15:16:00.000-07:00

Também não postarei a biografia...
A segunda melhor banda de heavy metal da face da terra não precisa de maiores apresentações. Quem quiser saber mais sobre ela, acesse: Wikipedia.org

1980 - Iron Maiden
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1981 - Killers download

1982 - The Number of the Beast download

1983 - Piece of Minddownload parte 1
download parte 2

1984 - Powerslavedownload

1985 - Live After Deathdownload disco 1
download disco 2

1986 - Somewhere in Time download
download bonus disk

1988 - Seventh Son of a Seventh Son download
download bonus disk

1990 - No Prayer for the Dying download

1992 - Live at Donington download disco 1
download disco 2

1992 - Fear of the Dark download

1993 - A Real Live One download parte 1
download parte 2

1993 - A Real Dead One download parte 1
download parte 2

1995 - The X Factordownload

1996 - Best of the Beast download

1998 - Virtual XI download

2000 - Out of the Silent Planet [single]download

2000 - The Wicker Man [single]download

2000 - Brave New Worlddownload parte 1
download parte 2

2001 - Rock in Riodownload disco 1
download disco 2

Run to the Hills [single] (11/03/2002 re-release)Essa versão de single contém uma versão de estúdio de "Run to the Hills" e b-sides gravados ao vivo no Reading Festival em 28/08/1982.
1- Run to the Hills – 3:50
2- 22 Acacia Avenue (live)– 6:33
3- The Prisoner (live) – 5:55
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2003 - Wildest Dreams [single]
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2003 - Rainmaker [single]
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2003 - Dance of Death download parte 1
download parte 2

2004 - No More Lies - Dance of Death Souvenir EPdownload

2005 - The Number of the Beast [single] (03/01/2005 re-release)1- The Number of the Beast (original 1982 studio version)
2- The Number of the Beast (live 2002)
3- Hallowed Be Thy Name (live 2002)
4- Children of the Damned (live 2002)
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2005 - The Trooper [single] (15/08/2005 re-release)1- The Trooper (live from Death on the Road) – 4:12
2- The Trooper (original studio version) – 4:10
3- Prowler (live in Reykjavik- Irlanda 07/06/2005) – 4:24
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2006 - The Reincarnation of Benjamin Bregg [single]download

2006 - A Matter of Life and Death download parte 1
download parte 2

senha para todos os álbuns: lagrimapsicodelica

Obrigado pela paciência dos que aguardaram.

Abraços!!!

Bjork - Discografia

2007-10-29T15:20:00.000-07:00

Atendendo ao pedido do meu amigo Michel... seguindo sua indicaçao dedico a postagem ao Miguel. Abraços aos dois!

Björk Guðmundsdóttir (Reykjavík, 21 de novembro de 1965) é uma influente cantora islandesa famosa no meio da música alternativa. É aclamada pelo seu experimentalismo musical e mundialmente reconhecida pela sua excentricidade. Chama a si várias referências, desde a música clássica até à electrónica mais extrema.

Aos 12 anos de idade a cantora Björk gravaria seu primeiro disco, com a ajuda de seu padrasto Björk concretiza seu primeiro álbum solo, intitulado pelo mesmo nome da cantora, Björk, em 1977. O álbum foi somente lançado na Islândia, em duas edições cassete. Tal sucesso lhe concederia um disco de platina e uma segunda chance de gravar um segundo álbum, mas como uma simples garota não acharia tão comum tal sucesso corrente após isto.

Durante 1994, Björk entra em estúdio novamente com Nellee Hooper, e mais alguns produtores como Tricky, Howie B, Graham Massey e Marius de Vries, para a produção de seu segundo álbum solo. Post marca a história da carreira da cantora como um dos seus melhores álbuns deixando a consagrada na pelo mundo e principalmente na Europa.[2] Os elementos de experimentalismo do álbum acabam tornando-o um álbum de vanguarda e categoria na época, onde principalmente o primeiro single do álbum, "Army of Me", acabaria de se tornar um dos melhores hits da cantora. O álbum se decorre em elementos imaginários e inomináveis como em "Hyper-Ballad", até o clássico inesquecível "It’s Oh So Quiet", que foi inspirado na Broadway. A mistura de jazz, música eletrônica, e ainda caminhando pelo rumo do trip-hop, Björk tornou se a sensação do momento. "Army of Me" entrou no top 10 britânico, "Isobel" segundo single do álbum e segunda parte da trilogia começada por "Human Behaviour", de Debut, e "I Miss You" dão um tom especial a este álbum. Post vendeu mais de 3 milhões de cópias.

1977 - Björkdownload

1990 - Gling-Gló (Smekkleysa) download

1993 - Debut download

1995 - Post download

1996 - Telegram download

1997 - Homogenic download

2000 - Selmasongs download

2001 - Vespertine download

2002 - Greatest Hits download

2004 - Medúlla download

2005 - Drawing Restraint 9 download parte 1
download parte 2

2007 - Voltadownload parte 1
download parte 2

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Biografia obtida no Wikipedia.org